Lucas Magnin "Experiencia" (2015).

Lucas Magnin es un compositor, escritor, músico y cantante, que con este su segundo disco, nos trae 13 canciones que él mismo se encarga en catalogar como música alternativa, pop, rock y art rock.
Aunque por momentos nos recuerde a los discos "El Ídolo" y "Amador" de Adanowsky, en "Experiencia", a nivel musical, nos encontramos con un disco fresco, lleno de pasajes sonoros muy bien logrados, con arreglos que dejan entrever el buen gusto de los músicos participantes, evitando todo tipo de exhibicionismo innecesario o virtuosismo estéril, logrando así de forma constante durante toda la obra un ambiente tan variado como homogéneo, con interpretaciones y arreglos justos en cada ocasión, siempre en favor de las composiciones.
A nivel sonoro el álbum es realmente impecable, pudiendo evidenciar el excelente trabajo de producción desarrollado, logrando disfrutar de principio a fin cada uno de los instrumentos que intervienen.
Compositívamente el disco intenta ser redondo. Posee canciones muy bien iniciadas y desarrolladas, pero descarrila sobre el final de las mismas, tanto así que de modo constante pareciera que cada una de las composiciones que integran la obra concluyen de la misma forma, utilizando una y otra vez el mismo tipo de resolución para todas, o en algunos casos, desdibujando todo lo desarrollado hasta el momento, esto de puede notar en "La plaga del invierno", en donde casi de forma abrupta se rompe un buen clima para pasar a una melodía de estilo 'oriental' con la voz de Jim Caviezel de fondo en su personaje de Jesús durante el film de Mel Gibson. En otros casos como en "Laberinto"; "Arte posmo"; "Los desconocidos"; y "Autorretrato", se despliegan a nivel musical finales irresolutos o a medio terminar, como si el mismo Lucas careciera de recursos para encontrarle la vuelta y así lograr algo redondo o autoconclusivo.
Vocalmente Magnin recuerda la mayoría de las veces a Joaquin Levinton (sobre todo en la canción "Atrás"), y en otros momentos es inevitable que su expresión no evoque a interpretes como Andrés Ciro Martínez, Warhol Oliveira, más algunos pasajes en donde recuerda a Luis Alberto Spinetta, evidenciando así cierta falta de identidad o personalidad que dote del peso interpretativo al que intenta aspirar Lucas a través de sus propias canciones. Todo esto sin contar los pasajes en donde directamente su voz suena desafinada o desentonada. Como es el caso de "Mito de la caverna", en donde desafina cada vez que va al falsete. Y "Tic tac", en donde las estrofas suenan desentonadas, sobre todo en las notas bajas.
Melódicamente el disco tiene sus momentos de monotonía y repetición, como en las canciones "Laberinto"; "Arte posmo"; "Los desconocidos"; "Segunda". Y también tiene momentos realmente admirables por su solvencia y gancho, tal es el caso de las canciones "Atrás"; "Autorretrato"; "Mito de la caverna"; y "23", en donde sus estribillos rebozan de melodías redondas, atractivas, realzando de forma exquisita cada una de las composiciones.
Líricamente la obra peca de la constante auto valoración de las propias convicciones en detrimento de quienes no tuvieron su mismo vivir o sentir. En esto Lucas se muestra de forma insistente usando casi como cábala las contraposiciones en cada una de sus letras, evidenciando así una búsqueda de singularidad que bordea el elitismo, siempre apuntando hacia afuera (los otros), tanto así que ni siquiera en la canción "Autoretrato" logra algo intimo o medianamente transparente, sino todo lo contrario, logrando mostrarse tal cual en la portada del disco, como una mezcla entre Julio Iglesias y un Dandy de los 70s, preso de si mismo, lejos de todo, de todos, inmerso en su propia realidad, en su comodidad, sin riesgos de ningún tipo, alejado de todo aquello que le posibilite cambio, crecimiento, o que le brinde la superación que dice no encontrar en aquellos de quienes tanto habla; dibujando cada frase de cada canción de tal forma que diera la impresión de estar leyendo a alguien que pretende escribir como si fuese Salomón en el libro Eclesiastés, pero sin la guía de este último.
Aún así hay momentos en que el resultado global de las canciones supera a la suma de las partes, logrando paisajes sonoros realmente destacables, como lo es la canción "El extranjero", la cual hace gala de tener en el disco los arreglos y sonidos más logrados, los rítmos mas variados, tanto así que la misma representaría una muy buena opción para ejemplificar lo que es el estilo "World Music".
"Experiencia" un disco musicalmente sólido, pero que en textos nos muestra a un Lucas Magnin muy lejos de prolongar algún sabio proverbio que le advierta de su propia verborragia sin dejarlo a merced de la misma, tal como sucede en "Autoretrato", donde apunta "He visto salir muchos por la puerta principal pero sin identidad.", y por lo visto Lucas ya salió.

Mr. Moonlight

Shades of Black "Ocean" (2014).

Shades of Black es el proyecto unipersonal de Matthew Zuleger (Zoogs), un guitarrista y programador estadounidense de 22 años que bajo dicho seudónimo ya lleva lanzados desde 2011, de forma independiente y a través de internet, 4 Discos y 2 EP.

Enrolado pura y exclusivamente en el metal instrumental, Zoogs desarrolla a través de su música los más variados colores y ambientes sonoros logrando no solamente atraer al escucha, sino dejarlo prendido esperando por más. Estilísticamente "Ocean" es una mezcla de metal técnico, djent, y metal progresivo, matizado siempre con melodías de toque árabe, dándole al resultado global distinción por sobre otras propuestas de similar calibre, pero no tan modernas.
Musical y compositivamente la obra es equilibrada, manteniendo de forma constante los matices necesarios, eliminando todo tipo de excesos, buscando siempre la expansión del espectro sonoro en favor de la canción, evitando así caer en innecesarias repeticiones. Lejos está Matthew de ser el típico 'Guitar Hero' que busca meter la mayor cantidad de notas posibles en el menor espacio encontrado solo para mostrarse 'más' que otros, sino todo lo contrario, con cada escucha uno puede evidenciar una búsqueda interna expresada a través de los sonidos, de las texturas creadas para tal fin, logrando así un resultado muy personal y variado en todo momento. Por supuesto, hay pasajes realmente intrincados, plenos de 'cruces' y de cambios de tempo. También hay solos ejecutados de forma exquisita, para nada pretenciosos, llenos de buen gusto y solvencia.
A nivel sonoro el proyecto siempre se destaco por su prolijidad, claridad y pulcritud, en esto, "Ocean" no es la excepción. El disco hace gala de una definición sublime, desafiando toda comparación e igualándose de forma inmediata ante cualquier exponente similar con una multinacional a sus espaldas. Es mas que notable en el resultado final lo buscada que está la calidad de sonido en la obra, dotándola, no solo a ésta, sino también a su interprete de una personalidad inconfundible.
Shades of Black, una propuesta que vale la pena escuchar de principio a fin más de una vez, en donde con "Ocean" termina por cimentar de forma concisa y muy eficaz lo que uno podía avecinar en trabajos anteriores.

Mr. Moonlight.

Dir en grey "Withering to death" (2005).

Dir en grey es una banda originaria de Japón, enrolada dentro del rock/metal, mezclando siempre todo tipo de texturas y formas sonoras según cada álbum se trate. De temáticas variadas es que han sabido acunar durante los últimos 18 años, 9 Discos y 31 Singles.
En este, su quinto álbum, a nivel musical la banda experimenta mezclando nu metal, con alternative, gothic, convirtiendo todo el paisaje sonoro en algo amplio y experimental, sin dejar el formato canción de lado, sin estancarse en estereotipos narcisistas o estériles, sin tecnicismos infructuosos. Si hay algo que saben hacer estos músicos es llenar de matices de todo tipo a sus composiciones, mezclando muchas veces lineamientos propios del soul o funk con riffs y cadencias de las mas pesadas o rápidas. Musicalmente el disco es todo eso y mucho más, ya que en ningún momento las canciones pierden frescura, sino todo lo contrario, a medida que se suceden uno puede notar que el vértigo en las mismas se acrecienta, demostrando que se puede ser experimental, sonar renovado y actual de forma imaginativa, sin perder el estribo en el camino.
Vocalmente la obra es ambiciosa, con un Kyo que busca expandirse más allá de sus posibilidades técnicas del momento, llenando cada segmento de emoción a través de melodías que se te quedan impresas en la mente de forma inmediata, sumándole susurros, falsetes, voz rasgada, gritos de todo tipo, desde lo más estridente y desgarrador, hasta el gutural más cerrado. Llenando con todos los elementos cada sección de cada composición, acompañando (y muchas veces acrecentando) la fuerza transmitida por las mismas.
Líricamente "Withering to death", como lo indica su título, habla sobre la muerte, sobre las muchas formas que tiene ésta, y lo hace de forma constante, variada y casi obsesiva podría decir. Esto no opaca para nada el resultado final del conjunto, sino todo lo contrario, lo realza, y más que nada es debido a la exquisitez con la que Kyo aborda cada una de las variantes de sus letras a través de la poesía, la cual se ve desarrollada de una forma esplendida, natural, nada forzado, logrando una transparencia y sinceridad únicas, navegando por todos los estados mentales y emocionales que uno quiera o pueda imaginar.
Más allá de lo individual, Diru siempre se destacó en lo grupal, en el conjunto, en demostrar que el resultado es gracias a la suma de la individualidad de las partes que lo integran, logrando varias veces, y como lo es en este caso, una obra de carácter único e irrepetible hasta el momento de su edición. Han pasado 10 años desde que fue editado originalmente y el álbum no a perdido frescura, sino que las 14 canciones que lo integran continúan sonando tan vigentes como en su momento. Es un disco que no tiene puntos flojos, en donde lo experimental y la canción redonda de melodía 'entradora' van de la mano sin ningún tipo de pruritos o condicionamiento artístico. Como ejemplo de esto solo voy a destacar las siguientes canciones: "Saku"; "Machiavellism"; "The Final"; "Dead Tree"; y "Higeki wa Mabuta wo Oroshita Yasashiki Utsu", la cual representa una de las composiciones más emotivas que concibió la banda. El resto queda por cuenta de quienes descubran esta magnífica obra.

Mr. Moonlight.

THE Possible "1116" (2014).

THE Possible es un grupo Idol de J-Pop formado por Tsunku durante el año 2006 en Hello! Project y luego trasladado a TNX, hoy en día bajo la tutela de UP-FRONT CREATE.

Actualmente el grupo cuenta con un total de 18 Singles y 3 Discos editados. En este "1116", su tercer y más reciente disco, uno puede encontrarse con una obra redonda de principio a fin. Estilísticamente las canciones están encuadradas dentro del J-Pop, pero con un espíritu y actitud muy rockera, dándole al resultado final un tono muy  expresivo, fresco, de carácter y personalidad propia, sin perder en ningún momento variedad o atractivo, la cual en gran parte es gracias a los varios compositores que intervinieron en el desarrollo de las composiciones.
Instrumentalmente el disco es muy bueno, variado, de buen gusto, con ejecuciones simples pero efectivas al 100%, con arreglos distintivos en cada composición.
Interpretativamente la obra es enérgica y efusiva cuando tiene que serlo, sin restar por ello buenos climas, y algo de mesura cuando es necesario, demostrando de esta forma un excelente criterio en cada caso.
Vocalmente el disco es simplemente magnífico, no tiene defecto alguno, ya que las 5 mujeres que se encargan de interpretar cada canción poseen voces potentes, llenas de personalidad, de frescura, sin dejar en ningún momento de lado los aspectos técnicos más arriesgados. Como lo es en el caso de la canción "Saa Koi! Happiness!", en donde el desarrollo de la melodía y a medida que avanza, lleva a cada una a elevar cada vez más alto las notas interpretadas de forma progresiva y sin pausa, evidenciando, no solo la calidad de sus voces, sino el excelente manejo técnico que poseen ante pasajes tan exigentes e intricados.
Líricamente el disco se enfoca en los tópicos esenciales (y porque no tradicionales) de los grupos Idols: el amor; la familia; los amigos; la vida en sociedad; la exaltación a la juventud como una época única y la madurez representada como el objetivo a alcanzar. No faltan canciones de auto superación como "Otome! Be Ambitious!", en donde descollan, no solo en energía, sino también el hecho de que la misma sea casi una declaración de principios.
Es bastante complicado recomendar tan solo una sola canción de un disco armado de tal forma que hace imprescindible su escucha al completo de principio a fin, pero a habida cuentas de que el resultado es la suma de las canciones que integraban los 4 Singles anteriores, más el anexo de cinco canciones nuevas, es que recomiendo "Ribbon"; "Nanja Korya?!"; "Zenryoku Banzai! My Glory!"; "Otome! Be Ambitious!"; "Yuuki Super Ball!"; "Do Me! Do!"; y en un tono más tranquilo esta "Lovely! Lovely!", la cual aparece por primera vez en la obra.
THE Possible, un grupo único, talentoso, que con "1116" demuestran que los casi diez años de carrera que tienen se capitalizan en la calidad indiscutible de su material.

Mr. Moonlight.

Osvaldo Brizuela (O-Bri) "AIRESUENAENPIEL" (2014).

Osvaldo Brizuela es un compositor, guitarrista, docente, productor, artista sonoro/visual y escritor, que de tantos proyectos que posee, en éste, su más reciente disco como cantante solista "AIRESUENAENPIEL", nos ofrece 14 canciones plagadas de texturas y ambientes, que como él mismo explica son "Breves relatos que cuentan historias desde la emoción y honestidad, en ese intento de universalizar lo singular llamado canción."
Estilísticamente el disco es un pop/rock con pretensiones lisérgicas, matizado con jazz fusión, música electrónica, electrónica experimental, y aunque intenta insertarse dentro del estilo 'world music', queda afuera, no por falta de mérito, sino por falta de personalidad, en donde es notorio que el gestor de la obra no hace más que desdibujar una y otra vez una misma línea trazada por otros artistas, los cuales no son sino a quienes tanto O-bri se muestra en evidencia al admirarlos, emulándolos, casi al borde de la pantomima, muy cerca de la parodia. Y es que vocalmente el disco resulta monotono, repetitivo, y hasta irrisorio al escuchar a Osvaldo imitar casi de manera perfecta a Luis Alberto Spinetta y David Lebón, casi como si se tratase de un tributo. Tanto así que hasta en la pronunciación de algunas sílabas es idéntica a ellos. Sin ir más lejos, en "Hijo del deseo", la canción que abre la obra, en vez de pronunciar 'Yo', pronuncia 'Sho', tal y como tienen por costumbre las personas provenientes de Bs. As., lo cual termina por notarse demasiado en frases como "Y SHO aquí sin un cuerpo". O como ocurre también en la siguiente canción "Salve dios", en donde claramente se puede escuchar, y más de una vez, "Hoy tus ojos son pared que SHA nunca pintaré"; o "Y es que el alma no entendió que SHA no hay nada que entender". Detalles de pronunciación como ese, más el constante seseo e imitación de los músicos antes citados, y sin ningún tipo de cambio o variedad en el matiz vocal, provocan hastío y cansancio, no solo en la asimilación de las melodías, sino del concepto mismo que cada canción intenta esbozar. Continuando con las voces, la gran salvedad del disco son los coros y armonías (ejecutadas en su mayoría por diferentes mujeres) las cuales dan un aire de frescura y renuevo a las composiciones, no solo por como suenan, sino por el nivel interpretativo de las mismas, llenando de matices y colores frescos la monotonía con la que atosiga Osvaldo.
A nivel musical y sonoro el disco es realmente exquisito, sublime. El mismo respira excelencia y colores tan variados como sus intenciones. Con una producción artística cuidada hasta en el más mínimo detalle, en donde cada instrumento, cada sonido, encanjan a la perfección, como si se tratara de la maquinaria del reloj Suizo más fino del mercado. Con paisajes sonoros realmente conmovedores y muy logrados. Tal es el caso de las canciones "Puedes dibujar la ausencia"; "Barcos sin alas"; y "Solo hay camino", en donde se respira el buen gusto a raudales, con instrumentaciones sublimes, no solo en técnica, sino también en emotividad.
Melodicamente el disco hace agua por los cuatro costados, sobre todo porque las melodías carecen de 'gancho', de ideas sólidas que le adviertan al escucha que las canciones son diferentes entre si. Que sino fuera porque musicalmente el resultado reboza personalidad, uno no percibe la diferencia entre tema y tema. Y sobre todo cuando nos encontramos ante melodías tan similares entre si, de esto como prueba estan "Ay nenita" y "Nómade", en donde al desarrollarse las estrofas es que ambas canciones respiran el mismo rítmo, cadencia y melodía de forma casi identica entre si. Lo mismo ocurre con "Niñas", en donde la melodía de las estrofas recuerda demasiado a "Puedes dibujar la ausencia". Es una lástima que ante tan buenos paisajes sonoros sean contadas con los dedos de una mano las excepciones en donde se perciba la frescura que exudan canciones como en "Ay nenita" o "Puedes dibujar la ausencia", las cuales tanto por su rítmo y melodía, se te impregnan de forma muy acertada e inmediata.
Líricamente O-bri intenta mostrarse interesante, profundo, humilde y pueril, pero tal cual como ocurre con su voz, es rebuscado, impreciso, repetitivo y carente de personalidad, mostrando una constante falta de recursos (u obsesión) al repetir de forma casi constante durante las 14 canciones que se suceden en el disco las palabras 'solo' (31 veces); 'mi' (28 veces); 'tus' (26 veces); 'sin' (25 veces); 'piel' (20 veces); 'amor', 'cielo' (19 veces); 'quieres' (18 veces); 'manos' (16 veces); 'cuerpo', 'ojos' (13 veces); 'hoy', 'caricias' y 'hasta' (11 veces); 'alas', 'fue' y 'tiempo' (10 veces). Acrecentando aún más de esta forma la constante sensación de monotonía que envuelve a las letras de las canciones. Todo esto sin contar las referencias totalmente innecesarias y rebuscadas hacia los autores que tanto reverencia, como es el caso de la canción "Muda Piel (a L.A.S)", en donde nombra a la "Ana no duerme" de Almendra, logrando un resultado inconexo con el resto del texto. "Ay nenita" posee una de las letras más redondas y autoconclusivas del disco, que por momentos pareciera que hace referencia a 'Lolita', pecando de cierta misoginia/machismo. "Puedes dibujar la ausencia" es sin duda alguna lo más asentado y maduro que como escritor se puede apreciar de Osvaldo en la obra.
"AIRESUENAENPIEL", un excelente trabajo sonoro/musical que nos muestra a un O-bri buscando un sentido a lo vivido, un re diseño de la propia experiencia, la cual intenta encausar cerrando el disco con "Solo hay camino", en donde se puede encontrar la frase "Si diseñamos desde el error la vida nos mezquina un buen final."

Mr. Moonlight

Adanowsky "Ada" (2014).

Adanowsky es un músico, cantante, compositor, letrista, actor y director que con este, su tercer disco "Ada", culmina una trilogía conceptual precedida por los discos: "Amador" (2010), y "El Ídolo" (2008).
Musicalmente este disco es el que más se diferencia de sus dos anteriores, más que nada por estar enrolado en un estilo completamente fijo, que es el de glam/funky de los setentas. Con notorias influencias del pop bailable (y por momentos meloso) de esa época, el de interpretes como Prince o Marvin Gaye. En esto, Adan no cae en la burda mímica o imitación de fantoche, nada de eso, las canciones tienen personalidad, son redondas, se defienden por si solas, con gancho, melodías muy pegadizas y con un objetivo claro: entretener con muy buena música.
Instrumentalmente el álbum reboza de buen gusto. Con ejecuciones muy simples, pero efectivas en cada compás, con cada segmento bien planeado y ubicado. Cada arreglo colocado en el punto justo, siempre en favor de la canción, apoyando la melodía. Sin sobre actuaciones o excesos de ningún tipo. Sino que cada instrumento cumple su función acorde al momento.
Vocalmente este disco es diferente a sus anteriores, no solo por estar cantado en su totalidad en inglés, sino porque la voz de Adanowsky suena diferente. Si bien, uno estaba acostumbrado a su timbre medio/grave que lo emparentaba con interpretes como Bunbury o Calamaro, acá va en dirección contraria, desplegando sonidos medios y agudos de su garganta, con muchos toques glam, y coros con muy buenas armonías, logrando un resultado realmente unificado y variado en cada composición. Con una interpretación que lo distingue por si mismo.
Líricamente el disco encara el autoconocimiento desde una perspectiva muy singular, el de la auto exploración del lado femenino de cada uno, profesando cierto hedonismo, pero sin perder en ningún momento el concepto que él mismo Adan a dado en entrevistas: "parto con la teoría de que somos mitad hombre y mitad mujer, porque venimos de un padre y de una madre".
A nivel sonoro la obra es impecable, con un sonido claro, conciso, sin sobre cargas de ningún tipo, sino que directo y refinado, acorde al estilo musical que desarrolla a través de cada canción.
Para destacar tenemos la canción que abre el disco "Dancing To The Radio"; la balada "Would You Be Mine"; o la energética "Ger Up And Fight". Esto es "Ada", un disco sin desperdicio alguno, para escuchar y disfrutar de principio a fin.

Mr. Moonlight.

WHITESNAKE "The Purple Album" (2015).

Whitesnake acaba de lanzar su más reciente disco que no es otra cosa que un puñado de covers de Deep Purple de la era Coverdale/Hughes.
Musicalmente el mismo hace agua por los cuatro costados, no porque técnicamente sea malo, sino porque interpretativamente es tan chato como innecesario. Con versiones plagadas de yeites de rock duro, intentando modernizar composiciones que no necesitan ser re visitadas o actualizadas. Con solos tan largos como infructuosos, atiborrados de notas a una velocidad que por exceso de técnica deja un hueco interpretativo enorme. Y en esto último convengamos que la banda supo tener guitarristas que lograron resultados más acordes con el estilo e historia de Purple que los actuales que integran Whitesnake.
Vocalmente el disco es seco. Desprovisto de toda galantería y buen gusto, con un David Coverdale ya ajado por los años. Con una voz que si, tiene personalidad, pero desprovista de color, de vida, de interpretación que ayude a sacar del escollo que representa la tortura de escucharlo prácticamente degradar la historia que él mismo ayudo a construir. Tanto que ninguno de sus colegas de época a logrado tener un resultado tan deslucido como lo es este disco en su totalidad. Que el mismo, de haber sido lanzado hace 10 años, cuando la banda hizo su revival con el DVD "Live... In the Still of the Night", la situación quizás hubiese sido mucho más decorosa y auspiciosa, no solo por la época, sino por los mismos músicos que lo acompañaban en aquel entonces.
Los músicos que actualmente componen Whitesnake, no son malos, no ejecutan mal, pero se encuentran tan desprovistos de personalidad que desconcierta, tanto que por momentos ni parecen Whitesnake, y ejemplo de esto es el bochornoso final que le dieron a una canción como "You Keep On Moving".
A todo esto, soy consciente de haber escuchado durante diferentes épocas tributos a Deep Purple muchísimo más horrorosos que este. Algunos un poco más decentes y frescos que otros, pero igual, esas composiciones no merecen el trato que aquí se les ha dado. Más aún teniendo en cuenta que en el mismo campo y utilizando exactamente las mismas canciones que se incluyen en este disco hay resultados con mucho mayor grado y vuelo. Por citar algunos ejemplos estan Glenn Hughes ("Gypsy"); Jorn Lande ("Burn"); Tony Martin ("Stormbringer"); y Hughes/Turner Project ("Mistreated").
En fin, con un total de 14 canciones, "The Purple Album", es un disco que falla en su cometido al intentar vendernos algo que ya existía en un formato mejor: el original. Demostrándonos, no solo la falta de ideas para poder re inventarse del Whitesnake actual, sino también que los días de gloria que tanto añora David Coverdale no volverán jamas. Como dice Alejandro Jodorowsky "Usemos nuestro pasado como trampolín, no como sofá", y por lo visto a Whitesnake el sofá viejo no lo muestra en comodidad.

Mr. Moonlight.

BABYMETAL "BABYMETAL" (2014).

BABYMETAL es una banda japonesa integrada por las Idols Su-metal, Yuimetal y Moametal en las voces. Complementadas por los músicos Takayoshi Ohmura (Guitarra); Leda (Guitarra); Mikio Fujioka (Guitarra); Boh (Bajo); Hideki Aoyama (Batería); Yuya Maeta (Batería).
Habiendo lanzado al mercado entre los años 2011 y 2013 cinco singles, nos encontramos con este album que no es otra cosa que una suma de sus anteriores lanzamientos más el añadido de 3 nuevas canciones.
Musicalmente el disco se despliega como si fuese un catalogo, conteniendo todas las variantes más populares que el Heavy Metal actual posee, sin privarse de ningún tipo de experimentación. En el mismo se pueden encontrar Power Metal mezclado con Breaks intensos ("Megistune"); Blast Beat ("Gimme chocolate!!"); velocidad Thrash ("Headbangeeeeerrrrr!!!!!"); cortes progresivos que rozan el Djent más aguerrido ("Akumu no Rondo"); Speed Metal con velocidad y melodías que remiten al Power Metal más tradicional ("Ijime, Dame, Zettai"). Como así también experimentación del tipo más moderna: mezclar Dubstep con Metal ("U•ki•U•ki★Midnight"); o sin ir más lejos, la canción que compone su segundo single ("Iine!") la cual es un híbrido entre metal, dance, Idol, breaks extremos, growls y screams, más algo de Hip-Hop (!).
O el breve coqueteo que hacen con el Reggae en "4 no Uta" mezclandolo con Thrash.
Vocalmente el disco no suena a Metal, sino a todo lo contrario: a J-POP, con melodías muy pegadizas, con gancho, que quedan atrapadas en la mente del escucha. Las interpretes tienen voces limpias, por momentos aniñadas, pero sin quitarle carácter o fuerza a cada una de las composiciones. Vale mencionar que aparte de las voces principales, el disco cuenta con voces guturales agregadas en segmentos puntuales de las canciones, sumando de esta forma intensidad al espectro musical creado.
Líricamente la obra se aleja completamente de los tópicos usuales a los que se asocia al Heavy Metal. Centrándose en este caso en cuestiones un tanto más cursis o ingenuas, propias de la edad de sus cantantes. Es así como el disco aborda letras que hablan sobre despertar temprano para ir al colegio y luego ir de fiesta ("Do•ki•Do•ki☆Morning"). Pedirle dinero al padre para poder comprar cosas ("Onedari Daisakusen"). Jugar con un demonio ("Catch me if you can"). O la más emblemática "Ijime, Dame, Zettai", que se presenta como un himno en contra del bullying y a favor de la igualdad.
BABYMETAL, un grupo que nació como una unit de Sakura Gakuin en 2010 para luego convertirse en una banda estable, cumple de sobre manera con su objetivo: entretener a través de la mezcla de dos géneros que a simple vista parecieran no tener demasiado en común, pero que acá comulgan de forma tan natural como sorpresiva.

Mr. Moonlight.

Pablo Scalabrelli "Lo Que Soy" (2013).

Primer lanzamiento como solista de Pablo Scalabrelli, eximio guitarrista y profesor, ahora enrolado en papel de cantante e interprete de su propia obra.

Con canciones nacidas en compañía de su guitarra, estilísticamente el disco suena a rock, con tibios coqueteos a otros estilos como el pop, blues ("Mientras Cae La Noche"), funk ("Vamos Levantando") y el Hard Rock de finales de los 80's. En esto último vale destacar "Seguir Atados"; "La Distancia"; "Tus Cartas Marcadas"; y "Locura Entre Las Manos", que al escucharlas no hacen otra cosa que remitirme indefectiblemente al Whitesnake del disco "1987".
Por el lado del pop tenemos a "Lo Que Soy", que de forma inconsciente remite al "Just Take My Heart" de Mr. Big, pero en un tono más cursi y como si a ésta la interpretara Alejandro Lerner (!).
Vocalmente, aunque el sonido y tono que eligió Pablo para interpretar sus canciones me recuerda demasiado a Luis Barni, el disco intenta seguir la misma línea de su música, ser variado. Sobre todo cuando intervienen los cantantes invitados en "Lo Que Soy" y "Te Sueño", pero aún así cae en la monotonía y repetición de recursos durante más de una vez. Ejemplo de esto es el estribillo de "La Distancia", el cual rítmicamente es idéntico al de la canción "Al Final Donde Vas". Algo similar, pero aplicado de otra forma, es lo que ocurre a las canciones "Vamos Levantando"; "Tus Cartas Marcadas"; "Te Sueño"; y "El Sol De Los Placeres", en donde llegando sobre el final de las mismas es que sus respectivos estribillos no hacen más que repetirse de manera contínua una y otra vez, logrando así perder todo atisbo de agrado para con la canción por la repetición de este recurso.
Musicalmente, en lo instrumental, y a nivel interpretativo, aunque técnicamente prolijo, el disco carece de personalidad, de vuelo, sobre todo en lo que respecta a la base formada por la batería y el bajo. Instrumentos que al escucharlos suenan forzados, dubitativos, como si sus interpretes ejecutasen todo a tientas, sin saber realmente de que va la canción que están tocando, o cual es el objetivo de la misma. Esto se hace muy evidente al escuchar a Pablo interpretar con mucha energía (y cierta entrega a nivel vocal) canciones como "Seguir Atados" y "Te Sueño", en donde la pasividad demostrada por los instrumentos antes mencionados restan vértigo y fuerza a canciones que perfectamente podrían haberse comprado el disco de entrada. Otro ejemplo de esto es "Tus Cartas Marcadas", en donde a partir del minuto 02:55 la base sostenida por el baterísta se empantana, queriendo agregar fuerza y vertigo produce todo lo contrario. Lo mismo ocurre en "Vamos Levantando", en donde el conjunto suena desarmado, sin una guía, evidenciando problemas de tempo en el baterísta, sobre todo al escuchar dos pifies (uno en el minuto 02:02 y otro en el minuto 02:27).
A todo esto, las guitarras son lo más logrado del disco, con riffs y arreglos muy bien armados y dispuestos en favor de las composiciones. Con solos de calidad y buen gusto, de sonido e intenciones claras, con buena técnica e interpretación acorde, los cuales ante la carente falta de identidad musical del resto de la banda, empalidecen.
A nivel lírico el disco es confuso. Como un todo indefinido en donde se mezclan lo personal, con lo externo, como si se tratase de una neurosis sin resolver, en donde el camino recorrido no es suficiente y sin saber porque. Generalmente apuntando hacia personajes externos, como en "Al Final Donde Vas", que con su final irresoluto deja más dudas que certezas. Las letras intentan ser profundas, imaginativas, pero caen en lo obvio, lo repetitivo o lo esquivo. Cuando intenta ser sincero, exterioriza. Cuando quiere exteriorizar, el resultado es contrario. Aparte de lo ya mencionado, los textos sufren muchas falencias en lo gramatical, rozando el constante rebusque, dejando la sensación de que los mismos nacieron de forma independiente a la música para luego ser 'incrustados' de alguna forma en que suene decorosa y prolija al oído.
Entrando en lo sonoro, la obra cumple con lo que pretende, claridad y definición son dos palabras que le calzan justo.
Como escucha indispensable, en donde se disfrutan los puntos fuertes de Scalabrelli como compositor e interprete tenemos a "Seguir Atados"; "Tus Cartas Marcadas"; "Locura Entre Las Manos"; y "Mientras Cae La Noche", en donde logra un resultado más que agradable por lo directo, fresco y entrador que se respira en estas canciones.
Vale resaltar la versión acústica de "Tus Cartas Marcadas" que cierra el disco, en donde de forma casi exquisita la canción es arreglada a tal punto de elevarse a otro nivel, el cual se ve algo empalidecido al ser vocalmente un copy/paste de la versión original. Quizás si en las voces hubiese sido también renovada su interpretación el resultado sería aún más auspicioso. Lo mismo para con el track escondido al final de la última canción, el cual es una versión instrumental de "Seguir Atados" que me recuerda mucho a "Respect The Wind" de Eddie Van Halen, pero desarmado.
"Lo Que Soy", un disco que nos muestra a un Pablo Scalabrelli que tal cual reza el estribillo de la primer canción del disco, este busca "No seguir alucinando en brillos huecos".

Mr. Moonlight.

Up Up Girls "Third Album (Kari)" (2015).

Up Up Girls es un grupo de J-Pop formado en 2011 por UFP. El mismo lleva a la fecha editados 20 Singles y 3 Discos.
En este tercer disco, y al igual que en los dos anteriores, nos encontramos con un puñado de canciones muy bien acabadas que corresponden a cuatro Singles lanzados previamente. Sumadas a ellas hay 4 canciones nuevas completando un disco de 15 temas en total.
Estilísticamente el disco como obra es muy variado, tanto como la cantidad de compositores y arregladores que intervinieron en la confección de cada canción. En esto, el disco es directo, no es un pop tímido o indeciso que 'coquetea' con otros estilos solo por gusto de acaparar la atención. No, acá es en donde se pueden escuchar cosas rozando el speed metal con guitarras al frente bien marcadas ("Kira Kira Mirai"); al lado de canciones repletas de ritmos Dance ("Zenryoku! Pump Up!!"); Dubstep ("(Kari) wa Kaesuze ☆ be your soul"), EDM con su cuota de autotune cubierta ("Bijo no Yajuu"); y canciones con todo el clima del Pop/AOR más socarrón y pasatista que se pueda encontrar sin perder nunca el toque nippon ("Beautiful Dreamer", "Runway" y "Kono Melody wo Kimi to" a la cabeza).
Las canciones por si mismas son redondas, sencillas, entretenidas, sin lugar a doble interpretaciones; con muy buenas melodías y con los arreglos propicios según cada composición. Si hay algo que sabe transmitir muy bien el grupo en sus conciertos es energía, que son ruidosas, y en "Jumper" se puede encontrar algo de eso, como así también evidenciar en la misma el tipo de composición que el grupo supo gozar en sus primeros lanzamientos.
Las letras de las canciones reflejan esperanza, sueños, ideales de pureza y auto superación que acompañan muy bien a la música.
Vocalmente el disco no es fuerte. Y aunque las interpretaciones de las 7 chicas que integran el grupo es buena, ninguna destaca por sobre la otra, sino que se mantienen en una perspectiva sonora bastante plana, casi sin personalidad. Es ahí en donde las melodías de las canciones que interpretan y muchas veces el rítmo pegadizo con el cua
l se las ha dotado hacen que las mismas se defiendan por si solas.
En el disco no hay balada o 'tema lento' de ningún tipo, simplemente hay energía, fuerza y buenas composiciones, cosa que Up Up Girls a demostrado tener muy en claro y saber defender desde un principio en su carrera, no por nada se auto proclaman en "Zenryoku! Pump Up!!" como "The number one fighting girls".

Mr. Moonlight.