Beyond Creation "Earthborn Evolution" (2014).

Beyond Creation es una banda canadiense de Death Metal Progresivo (o Technical Death si lo prefieren) compuesta actualmente por Simon Girard (voz/guitarras); Kevin Chartré (guitarras); Hugo Doyon-Karout (bajo); y Philippe Boucher (batería).
Desde su fundación en 2005 la misma ha lanzado al día de la fecha un Demo y dos Álbumes, la review a la que me aboco hoy es sobre su segundo disco "Earthborn Evolution", de 2014.
Lo de Beyond Creation es bien simple pero complejo a la vez. Por un lado tenemos a una banda estilísticamente afianzada en su propuesta, directa, sin medias tintas, yendo al grano en cada momento. Estamos hablando de músicos de colosales instrumentaciones, intrincados ritmos, velocidades extremas, kilométricos lucimientos en cada uno de sus componentes y composiciones, y voces guturales acorde a toda banda Death que se precie como tal.
Por otro lado tenemos en "Earthborn Evolution" un disco tan solido y directo como las intenciones y recursos que la agrupación exhibe, en donde la melodía es la protagonista absoluta en cada una de las 10 composiciones que integran éste álbum, las cuales dejan su impronta casi de forma inmediata, resultado que se acrecienta aún más con cada una de las sucesivas escuchas.
Más allá de que el material que integra el disco puede llegar a ser algo complicado de asimilar o digerir, y de que muchos de los componentes de la obra ya han sido debidamente expuestos por otros referentes en el estilo, el resultado nunca deja de ser superlativo. Estamos hablando de voces guturales en el tono justo, sin excesos. Guitarras de 8 cuerdas ejecutando riffs intrincados y melodías pegadizas de todo tipo, en donde sus ejecutantes hacen gala de buen gusto, precisión, y una solvencia casi cibernética, ejemplo de ésto es la canción "L'exorde". Lo mismo ocurre con el baterista, quien se desenvuelve de manera impecable, resolviendo de forma casi natural cada uno de los pasajes a los cuales es sumergido. Nota aparte para destacar es la labor realizada por Dominic "Forest" Lapointe, quien fuera responsable del bajo en la agrupación hasta principios de éste 2015 en que decidió abandonarla por motivos personales. La labor de Forest es realmente destacable en todo sentido, empezando por el sonido de su instrumento, que más allá de la impecable ejecución de un bajo fretless de 6 cuerdas, brinda a la agrupación un sonido de admirable distinción por sobre el promedio de forma íntegra, desarrollando a través de cada una de las composiciones melodías efectivas, que no solo realzan su labor como interprete o arreglador, sino que complementan de forma ajustada el trabajo de los demás instrumentos. Como ejemplo de ésto basta con ver y escuchar "Eartborn Evolution", composición que da nombre al disco.
En cuanto a la obra, no está demás decir que la misma logra posicionarse como un referente absoluto dentro del genero, en la que si, todo está desarrollado desde un punto de vista desorbitado, soberbio, ampuloso, en donde pareciera ser que el ego de los interpretes es el motor principal, no solo en lo musical, sino también en lo lírico, la mayoría de sus letras tratan sobre conflictos internos o sociales, todas escritas e interpretadas por su principal artífice: Simon Girard.
Volviendo a lo musical, si, el contenido del disco es el metal extremo a maratónicas velocidades, pero sin dejar de lado los pasajes mas calmos, otorgando un contraste más que positivo, lleno de matices y climas muy bien logrados en su totalidad, muchos de ellos emparentados con el Jazz Fusión más moderno. Como ejemplo de esto tenemos el segmento durante el solo de "Sous la Lueur de L'empereur"; el interludio del tema instrumental "Abstrait Dialog"; o el solo de la ante última composición, "Theatrical Delirium", en donde el despliegue y cohesión de sus componentes hacen gala, no solo de técnica, sino buen gusto por la melodía. Cerrando el disco tenemos "Fundamental Process", una composición que destaca por lo épico y heroico de su ambiente, englobando y concluyendo de forma magistral todo el recorrido por el cual nos condujeron durante los 46 minutos de duración de la obra.
Beyond Creation, una banda que con "Earthborn Evolution" no solo logra consolidar las intenciones esquivas o inconclusas de su álbum predecesor, sino que logra mucho más, aumentando la calidad, adueñándose de un terreno pocas veces explotado con tal efectividad como la demostrada, haciendo imprescindible su escucha.

Mr. Moonlight.

BUCK-TICK "Arui wa Anarchy" (2014).

Con poco más de treinta años de carrera, 19 álbums, y reconocidos como fundadores de la corriente Visual Kei, BUCK-TICK nos trae en su más reciente disco, "Arui wa Anarchy" 14 canciones llenas de lo que tanto bien han sabido desarrollar desde siempre: ese rock/pop/punk claramente influenciado por la corriente musical británica de los 70's y 80's.

Es que es innegable, si te gustan Love & Rockets, Bauhaus, XTC, The Clash, Kraftwerk, The Sisters of Mercy, Siouxsie and the Banshees, Iggy Pop, David Bowie, o hasta los primigenios Héroes del Silencio, es indudable que BUCK-TICK va a saber como sacarte más de una sonrisa y emocionarte al mismo tiempo. La banda lejos está de ser una copia descarada al borde de la parodia, sino que con personalidad, buen gusto y excelencia es que han sabido amalgamar de forma admirable cada uno de los elementos mencionados, añadiendo a todo de forma tan distinguible como excelsa las melodías con que tan bien se distinguen los compositores e interpretes del mercado musical japonés.
Instrumental y musicalmente la obra es variada, precisa, llena de matices y arreglos muy bien desarrollados, producidos y ejecutados con un nivel interpretativo tan fino como elocuente, dando cátedra en todo momento, no solo de poseer un estilo refinado, sino también de un nivel al cual muchos aspiran pero que pocos llegan.
Liricamente el disco toca los tópicos a los que nos tiene acostumbrados desde siempre: las historias de amor; las distopías; eventos comunes, cotidianos (como el insomnio) bajo la mirada algo fatalista de Baudelaire o Voltaire, tiñiendo de esta forma con algo de humor las situaciones; todo de forma directa, sin vueltas, sin segundas lecturas o enigmas a descifrar, dejando de lado todo tipo de sofisticación barata o pretenciosa, demostrando que en la sencillez no solo hay efectividad, sino también inmediatez, aunando de ésta forma los textos a la música como si fueran una sola cosa totalmente dependientes la una de la otra, logrando así un resultado más que conciso y admirable.
Y es que "Arui wa Anarchy" es directo, preciso, eficaz, galante, repleto de buen gusto y justeza tal que apabullan, no solo por la solvencia que demuestran, sino por la frescura que exudan en cada composición, evidenciando que los años de trayectoria no han menguado la creatividad, el vertigo, y la frescura en una banda que hace pie firme en donde muchas otras (siendo de este estilo o no) tambalean, desaparecen o simplemente se transforman en un espejismo nostálgico de lo que alguna vez lograron pero que no pudieron mantener. Como muestra de ello están las canciones: "Dada Disco -G J T H B K H T D-" abre el álbum de forma directa y contundente, con un dueto vocal en constante pregunta/respuesta entre Sakurai e Imai, logrando de ésta forma enganchar de buenas a primeras al oyente. El resto de las canciones se suceden con el mismo vertigo y frescura, experimentando diferentes texturas, como lo expresan las subsiguientes "Uchuu Circus", "MasQue" o "NOT FOUND". Lo mismo ocurre con los segmentos más calmos y atmosfericos del disco como en "Melancholia"; "Satan"; "Mudai"; o la que finaliza la obra, la excelente "Keijijou Ryuusei -Metaform-". En el lado más 'experimental' tenemos a "SURVIVAL DANCE", que como lo indica su título, es bailable, y mucho!!
BUCK-TICK, banda que con "Arui wa Anarchy" nos demuestra que la trayectoria no merman el entusiasmo y la creatividad. Que el pasado no es un sillón en el cual recostarse y sobrevivir, sino que lo utilizan como un trampolín para continuar siendo a nivel artístico quienes siempre fueron, fieles así mismos, y a las obras que crearon (y crearan) en conjunto.

Mr. Moonlight.

Rata Blanca "Tormenta Eléctrica" (2015).

Noveno disco de estudio con material original de la banda hoy auto denominada o encasillada en el 'Rock Metálico', otrora cultores de 'Heavy Metal' y 'Hard Rock'.

Lo cierto es que hoy por hoy la agrupación nos trae 11 canciones plagadas de puro rock, en donde muchas veces recuerda más a AC/DC que al Deep Purple o Rainbow al que nos tenían acostumbrados. Más allá de esa diferencia, éste disco tiene un problema de contexto, ya que si lo vemos desde el lado artístico/cultural por el que desde hace más de una década atraviesa el mercado discográfico Argentino (y latinoamericano también) en donde se considera como bandas de rock a grupos como Tan Biónica, Bersuit Vergarabat, Kapanga, o tantas otras que suenan más bailables que otra cosa, entonces si, el nuevo disco de Rata Blanca es una excelente obra de rock a rajatabla y sin dudas sirve para reivindicar la palabra como tal dentro de un género tan bastardeado.
Pero, si vemos el desarrollo de Rata Blanca a nivel musical desde su primer disco (y sin tener en cuenta la variedad de cantantes que ha sufrido el grupo) "Tormenta Eléctrica" es soporífero, aburrido, redundante, carente de vértigo, emoción u objeto. Y una cosa es decir que la banda se haya dedicado a hacer 'más de lo mismo', porque casi que no habría problemas con ello si la misma mantuviera las cotas de calidad acostumbradas, pero acá no es así. O sea, si, es más de lo mismo, pero adelgazado, bajo en calorías, sin fuerza, como si se tratase de un yogur para quienes tienen transito lento, pero más insípido. Si observamos la obra como lo que es: 11 canciones de rock, con algo de AOR, y algún que otro solo medianamente inspirado, el disco sigue adoleciendo de los mismos problemas antes mencionados, solo que con el agregado de ser demasiado pretencioso, dando por resultado una obra plástica, carente de emotividad, y fuera de época, anticuada. Con letras que rozan la ridiculés y lo absurdo, en donde uno no sabe si está leyendo algo escrito por Pomelo o si directamente todo lo expuesto es un chiste que nadie explico muy bien de que iba. Ya que leer que una persona de 55 años de edad como lo es Walter Giardino, que vive desde hace más de 10 años en España, escribe en la canción "Buscando pelea" la frase "Somos los hijos de la noche, los que sangramos por el rock, almas rebeldes y diferentes", no representa otra cosa que una fantasía de marketing ridícula, obsecuente por demás, e irreal en toda su dimensión. Que si es por esgrimir fantasías se hubiese quedado con las leyendas, las hadas, y los magos, no con semejante burrada disfrazada de rebeldía. Otro aspecto no menos alarmante es ver como la introducción de esa misma canción es casi idéntica a la de la canción "Guerrero de Luz" de la banda Patán, grabada en 2010.
Hay que reconocer que a nivel compositivo e instrumental Rata Blanca nunca fue Dream Theater, ni mucho menos, lo cual no justifica que las canciones tengan un tratamiento tan 'banda de garage', al grado tal de volver insufrible y al mismo tiempo irrisoria la escucha. Porque una cosa es producir las canciones con cierta simpleza sin dejar de lado la efectividad, y otra cosa es esbozar intentos de ambientes épicos de forma irresoluta y repetitiva pretendiendo que eso produzca cierto gancho por insistencia más que por calidad. Es lamentable que una banda con tantos años de trayectoria se despache con un disco tan monótono y aburrido, con composiciones de catalogo, sin riesgos o novedad alguna, careciendo de frescura, y otorgando una experiencia tan olvidable como lo es el tema instrumental "Batalla Persa", el cual no tiene nada de batalla, ni tampoco de Persa, y que parece más un 'toquemos tres acordes durante 5 minutos que el resto lo rellenamos en vivo con lo que se nos ocurra' antes que otra cosa.
Vale mencionar que las únicas dos canciones que, sin tomar en cuenta lo insulso de las letras, resultan ciertamente frescas a nivel melódico son "El jugador" y "Pequeño angel oscuro", más que nada por lo logrado del resultado, sonando AOR y ganchero. El resto es simplemente olvidable.
"Tormenta Eléctrica", una obra que sin llegar a ser mala u horrible es gracias a sus pretenciosas fantasías incongruentes que se torna predecible, aburrida y prescindible en toda su inmensidad.

Mr. Moonlight.

GEMINIS "Géminis" (2015).

GEMINIS es una novel banda de la ciudad de Córdoba, la cual lleva editados al momento un EP de 6 temas, y este Mini Álbum de 8 canciones, del cual trata ésta review.

Estilísticamente el grupo se enrola en un rock/pop sencillo, efectivo, de calidad, con muy buenas instrumentaciones, en donde los matices brillan de par en par en cada una de las canciones.
A nivel instrumental la banda suena concisa, ajustada, ubicada. En esto es notable que los músicos tienen muy en claro su rol dejando de lado todo tipo de exhibicionismo estéril y trabajando siempre en favor de la melodía, de la canción, todo aplicado con excelente criterio y buen gusto. Ejemplo de esto es "Estrellas rosas", en donde la banda se despliega a sus anchas con una de las melodías y rítmos más gancheros y memorables de la placa, dejando muy en claro la solvencia y practicidad con la cual se desenvuelven, sobre todo Franco Lunghitano, quien desarrolla exquisitos arreglos de guitarra y un solo repleto de buen gusto y matices.
Vocalmente el disco es muy bueno. Lucas Alanis hace gala, no solo de técnica, sino de interpretación, siempre utilizando el matiz justo, con el color y tonos necesarios en cada composición, llenando a cada una de ellas no solo de su personalidad, sino también de emoción en cada palabra. Quizás el único escollo que le encontré sea el hecho de que en algunas palabras las sílabas que incluyen las letras "S", "LL", "Y" son pronunciadas muchas veces como "SH", notándose en frases como "Mira SHO te quiero..." (en la canción "Porque te quiero"); o como en el caso de "Estrellas rosas", donde claramente se puede escuchar "...se clavan como astiSHAS quiero pastiSHAS para el aSHER", o también más adelante, sobre la misma canción "...en mi mente estaSHAS". Más allá de ese detalle, el resto es de una calidad pocas veces escuchada dentro del género en una ciudad como lo es Córdoba. No está demás decir que Lucas sabe bien que es lo que busca, y logra demostrarlo de forma cómoda y efectiva en cada momento.
Líricamente la obra es muy completa, en donde se nota que hay una búsqueda que va más allá de lo superficial, explorando en lo cotidiano lo profundo, logrando desenterrar pensamientos, emociones, reflexiones, todas sustentadas por una razón, un porque, un objetivo, en donde las palabras esgrimidas son acompañadas sin tropiezo alguno por composiciones que parecieran haber sido creadas para tal fin, en donde la melodía no es una excusa o una casualidad, sino un medio por el cual realzar la expresión, el gancho, logrando atrapar al escucha, y en muchas ocasiones queriendo más.
A medida que fui descubriendo el CD es que gratamente GEMINIS me recordó a una versión siglo XXI de lo que fuera alguna vez en los 90s la banda mexicana Caifanes, solo que en el caso de los locales, su propuesta llega a ser un tanto más intimista, imprimiéndole a la personalidad del grupo su propia identidad, en donde las influencias son notables, pero lejos están de ser unos imitadores. Muestra de esto son las propias canciones, como es el caso de "Libre", "Cada segundo", "Caer", y "Cadaver en París" en donde es clara la solvencia con la que se desenvuelven y logran acometer sus objetivos.
GEMINIS una banda con contenido, con forma y personalidad, en donde de buenas a primeras al comenzar la obra nos dicen de forma muy sencilla "Crees feliz el ayer y eso no es crecer", lo cual no habla solo de su presente, sino de la forma en que apuntan hacia un nuevo futuro.

Mr. Moonlight.

LoVendoЯ "Iin ja nai? / Futsuu no Watashi Ganbare!" (2015).

Cuarto lanzamiento de LoVendoЯ, el cual no es otro sino que su primer single, marcando de esta forma su Major Debut en la industria discográfica de Japón.
En esta ocasión, el CD se compone de cuatro canciones, dos de las cuales son las que le dan nombre al lanzamiento, y en donde nos encontramos por partes iguales con el Hard Rock al que tan bien nos tiene acostumbrados la agrupación, con la diferencia notable en la producción a cargo de Taisei, que se destaca por la calidad y cantidad de diversos arreglos con los que ha sabido rellenar cada composición, aproximando en más de una vez el resultado al Hard Rock Californiano y asemejándose muchas veces a los primeros singles de Sharam Q, solo que con una visión actual, renovada y fresca, lo cual se acrecienta con la letra escrita por Tsunku para "Futsuu no Watashi Ganbare!". En el caso de "Iin ja nai?", ésta fue compuesta por Takui Nakajima, en donde también grabó algunas armonías y coros.
Con respecto a las otras dos canciones que integran el single, tenemos a "Desert of a moonlight night ~Tsukiyo no Sabaku~" y "Princess of lone castle ~ Koujou no Himegimi ~", las mismas son instrumentales, compuestas por Yuki y Marin respectivamente, en donde se desenvuelven a gusto dentro del metal neoclásico más tradicional, muy en la vena de referentes como Yngwie Malmsteen o Paul Gilbert.
La Edición Limitada del single viene con un DVD adjunto que incluye los MV de las dos primeras canciones, más tres nuevas composiciones interpretadas en vivo, filmadas en 'Shinjuku BLAZE' el 15 de Marzo pasado. La particularidad de las mismas es el hecho que "Sennou", la primera de ellas, es interpretada solamente por Marina (junto al resto de la banda) demostrando que puede defenderse por si sola sobre el escenario; mientras que "Soushi Souai" es llevada al frente por Reina, haciendo gala del talento que siempre la acompañó. En el caso de "Hontou no Kimochi", canción que cierra el DVD, es interpretada por la banda al completo. De éstas tres últimas canciones (las primeras dos también compuestas por Takui Nakajima), no muestran otra cosa sino la solvencia de la banda en directo, dejando en claro que aún con un sonido un tanto más crudo, la energía es la misma.
LoVendoЯ, una banda que a través de su primer single no solo demuestra fortaleza y calidad en la suma de sus integrantes, sino también en las individualidades que saben explotar por si mismas cada una de ellas.

Mr. Moonlight.

Morning Musume.'15 "TRIANGLE" (2015).

Engeki Joshibu Musical "TRIANGLE" es una obra de teatro musical basada en el manga "α -Alpha-" de Fusako Kuramochi, la misma está protagonizada por 10 de las 13 integrantes de Morning Musume'15, más la presencia de Maasa Sudo. En este caso, el disco en cuestión es un Mini Álbum de cinco canciones que forman parte de la banda de sonido de la obra.
A diferencia de otros trabajos de MoMusu, en este es necesario tener en cuenta que las integrantes no están abordando su papel Idol a la hora de interpretar las canciones. Sino más bien de Idols que actúan e interpretan un papel, un personaje, con el cual se desenvuelven en la obra musical. Ahora bien, teniendo en cuenta esto, vale añadir que a nivel musical el CD lejos está de ser música Idol comercial de la que siempre se desarrolla Hello! Project, sino mas bien esta es una suma de canciones compuestas a ritmo pop, con melodías redondas, y con letras relacionadas al argumento de la obra, todo realizado por Taizo Shioda en las letras y Jun Ichikawa en la música, los cuales han sabido dotar de un muy buen contenido, de peso, a cada una de las composiciones.
Vocalmente el disco desborda excelencia y buen gusto por donde se lo mire, y es que el nivel interpretativo de las voces intervinientes a crecido y madurado tanto que da gusto escuchar las canciones de forma contínua; sobre todo en el caso de Ayumi Ishida, la cual a nivel vocal e interpretativo a dado un gran salto de calidad admirable, demostrando de forma más que grata cuanto se ha superado, logrando una identidad propia a través de su voz, cosa que demuestra en la canción "Sakura no Koi", la cual interpreta a duo con Haruka Kudo, quien desde la obra anterior, "LILIUM" daba sobradas muestras de calidad interpretativa con su particular voz de tono grave, acá lo sigue haciendo, pero de una forma mucho más madura y asentada, llegando con su voz a lugares y matices totalmente nuevos, que no hacen más que poner en evidencia cuanto a crecido a nivel técnico e interpretativo. Riho Sayashi sorprende de forma positiva al poder escucharla encarnar en el personaje de un hombre, no solo en el tono de voz un tanto más grave que adopto, sino también por el estilo y forma de interpretarlo, logrando un resultado más que destacable. Lo mismo ocurre con Sakura Oda, la cual ya ha dado sobradas muestras de que su nivel técnico e interpretativo es más que formidable, añadiéndole a todo ello un plus que se ve reflejado en el personaje que encarna en la obra. Quizás Masaki Sato en éste caso no sorprenda, pero si que sabe hacer gala de lo que ya nos tiene acostumbrados a la hora de cantar, esto es, una afinación y timbre perfectos, seguidos de una interpretación más que acertada, sobre todo en la canción "Urayamashigariya no Dice", que comparte con Haruna Ogata, la cual goza de un rítmo funk más que pegadizo, con una de las melodías con más vertigo dentro del CD. La sorpresa viene por el lado de Haruna Ogata, perteneciente a la Generación número 12 de MoMusu, la cual con menos de un año de actividad desde su ingreso al grupo, acá, en el soundtrack de la obra, demuestra que aunque posee un tono algo 'crudo' al que le falta todavía desarrollo, ella puede cantar, interpretar, y defender una canción para nada fácil.
"TRIANGLE" un CD que lejos que una obra completa, es un pantallazo general de lo que fue la obra durante los 10 días de presentación que tuvo en el pasado mes de Junio, lo cual no decepciona, para nada, sino que deja con ganas de seguir conociendo más canciones de la misma.

Mr. Moonlight.

Takui Nakajima "Renga no Ie" (2015).

Nuevo Álbum de Takui Nakajima, el décimo sexto de su carrera, en donde a través de 15 canciones nos pasea por diferentes ambientes y climas, siempre manteniendo la energía del Hard Rock mas elocuente con el que impregna a cada una de sus composiciones.
Musicalmente el disco respira frescura a raudales, siendo tal vez más variado que su anterior "BEAT&LOOSE" de 2013, ya que no solo hay Hard Rock desbordado, sino también algo de Ska, Reggae, Soul y Metal, todo matizado de forma equilibrada y conveniente según la composición lo requiera, demostrando nuevamente cuan enraizadas están sus influencias en The Beatles, Queen y el punk británico mas tradicional, quedando siempre cada canción apuntalada con melodías redondas. Es que sin demasiados rodeos Takui va al grano; es directo y muchas veces algo visceral, pero siempre con un propósito, un objetivo, que logra y con creces.
Instrumentalmente la obra es escueta, pero directa, no hay virtuosismos estériles, ni tampoco las grandes instrumentaciones, eso si, esta muy bien plagado de arreglos, algunos muy sutiles, pero efectivos al 100% en cada composición.
Vocalmente Takui logra aportar en "Renga no Ie" matices que se notan un tanto ausentes en "BEAT&LOSE" (en dónde daba la constante sensación de que muchas veces estaba 'gritando' las canciones), ya que la energía a la cual nos tiene acostumbrados está intacta, pero es en este álbum en donde puede apreciarse la forma en que ésta fue dosificada y puesta en favor, no solo de la expresión, sino del contenido al que hace referencia. De igual forma Takui se las arregla para en cada canción armonizar y mezclar su voz de forma algo hipnótica, o de introducirle efectos y cambios de entonación, tal y como ocurre en la canción "Oshiroji Risa ~all good idols go to heaven?~", en donde el trabajo realizado es por demás destacable.
Líricamente el álbum es redondo, muestra a un Takui mucho más intimista y transparente, en donde no solo intenta dar un mensaje que él considera positivo, sino que logra transmitir su experiencia de vida y su visión ante determinados eventos (todos diferentes entre si), extrayendo de cada uno reflexiones de las mas variadas, pero siempre positivas, alentadoras, confrontando pensamientos con emociones, desarrollando la experiencia de buscar empujarse así mismo (y a quien lo escucha), desafiando la comodidad establecida, tratando de lograr un cambio interno necesario, siendo notable que su búsqueda no va por el lado de 'mejorar como persona', sino simplemente cambiar, apostar a nuevos horizontes dejando atrás a lo inútil. Reflejo de todo esto son las canciones "Wasurete Shimae yo Yurushite Shimae yo"; "Donna Koto ga Atte mo"; o en un plano más radical y energético está "Tsuzukero".
Como añadido se encuentran las versiones originales de "Taiki Bansei" (que ya conocíamos interpretada por ANGERME), y "Tsugi no Kado wo Magare" (que también conocíamos por la versión de ºC-ute), las cuales en el disco suenan con otro vuelo, añadiendo un atractivo diferente a lo ya conocido, comprobando que se trata de algo mucho más personal siendo Takui su compositor e interprete.
"Renga no Ie" tiene la virtud de ser un disco redondo, completo, sin fisuras de ningún tipo, en donde se puede disfrutar de cada uno de los variados climas que ofrece de forma contínua, sin caer en el aburrimiento. Tal es la versatilidad de la que hace gala que podemos encontrarnos con pasajes realmente calmos como los que hay en las canciones "Tokyo Tower" y "Please Mr.GUARD MAN". O también con canciones en plan de 'medio tempo' como lo es la propia "Renga no Ie". O en el plan mas 'heavy' o 'pesado' tenemos las mas que destacables "Oshiroji Risa ~all good idols go to heaven?~" y "Ijimerarekko", que gracias a sus potentes guitarras y sus líneas vocales en tono casi de rap logran realzar excelentes estribillos.
Al finalizar el disco nos encontramos con la canción más larga de todo el disco "PUNKY SIXTEEN BOY", la cual sobrepasa por poco los 9 minutos de duración; que sostenida por un apacible pero constante rítmo de reggae, la misma se va desarrollando con una de las melodías más hermosas que posee el álbum, llegando a un estribillo cantado íntegramente en inglés, entonando uno de los mensajes más optimistas, provechosos, y esperanzadores de toda la placa, culminando con un final en donde es notable la influencia del "Hey Jude" de The Beatles.
Takui Nakajima, un músico que con casi 16 años de carrera nos muestra que aún se puede ser auténtico y eficaz siendo fiel a uno mismo, demostrando que lo que damos a otros nos lo damos a nosotros, para luego volverlo a dar, y así lograr un constante espiral artísticamente creativo, fresco, que se renueva de forma constante, y "Renga no Ie" es la cabal muestra de ello.

Mr. Moonlight.