Osvaldo Brizuela (O-Bri) "AIRESUENAENPIEL" (2014).

Osvaldo Brizuela es un compositor, guitarrista, docente, productor, artista sonoro/visual y escritor, que de tantos proyectos que posee, en éste, su más reciente disco como cantante solista "AIRESUENAENPIEL", nos ofrece 14 canciones plagadas de texturas y ambientes, que como él mismo explica son "Breves relatos que cuentan historias desde la emoción y honestidad, en ese intento de universalizar lo singular llamado canción."
Estilísticamente el disco es un pop/rock con pretensiones lisérgicas, matizado con jazz fusión, música electrónica, electrónica experimental, y aunque intenta insertarse dentro del estilo 'world music', queda afuera, no por falta de mérito, sino por falta de personalidad, en donde es notorio que el gestor de la obra no hace más que desdibujar una y otra vez una misma línea trazada por otros artistas, los cuales no son sino a quienes tanto O-bri se muestra en evidencia al admirarlos, emulándolos, casi al borde de la pantomima, muy cerca de la parodia. Y es que vocalmente el disco resulta monotono, repetitivo, y hasta irrisorio al escuchar a Osvaldo imitar casi de manera perfecta a Luis Alberto Spinetta y David Lebón, casi como si se tratase de un tributo. Tanto así que hasta en la pronunciación de algunas sílabas es idéntica a ellos. Sin ir más lejos, en "Hijo del deseo", la canción que abre la obra, en vez de pronunciar 'Yo', pronuncia 'Sho', tal y como tienen por costumbre las personas provenientes de Bs. As., lo cual termina por notarse demasiado en frases como "Y SHO aquí sin un cuerpo". O como ocurre también en la siguiente canción "Salve dios", en donde claramente se puede escuchar, y más de una vez, "Hoy tus ojos son pared que SHA nunca pintaré"; o "Y es que el alma no entendió que SHA no hay nada que entender". Detalles de pronunciación como ese, más el constante seseo e imitación de los músicos antes citados, y sin ningún tipo de cambio o variedad en el matiz vocal, provocan hastío y cansancio, no solo en la asimilación de las melodías, sino del concepto mismo que cada canción intenta esbozar. Continuando con las voces, la gran salvedad del disco son los coros y armonías (ejecutadas en su mayoría por diferentes mujeres) las cuales dan un aire de frescura y renuevo a las composiciones, no solo por como suenan, sino por el nivel interpretativo de las mismas, llenando de matices y colores frescos la monotonía con la que atosiga Osvaldo.
A nivel musical y sonoro el disco es realmente exquisito, sublime. El mismo respira excelencia y colores tan variados como sus intenciones. Con una producción artística cuidada hasta en el más mínimo detalle, en donde cada instrumento, cada sonido, encanjan a la perfección, como si se tratara de la maquinaria del reloj Suizo más fino del mercado. Con paisajes sonoros realmente conmovedores y muy logrados. Tal es el caso de las canciones "Puedes dibujar la ausencia"; "Barcos sin alas"; y "Solo hay camino", en donde se respira el buen gusto a raudales, con instrumentaciones sublimes, no solo en técnica, sino también en emotividad.
Melodicamente el disco hace agua por los cuatro costados, sobre todo porque las melodías carecen de 'gancho', de ideas sólidas que le adviertan al escucha que las canciones son diferentes entre si. Que sino fuera porque musicalmente el resultado reboza personalidad, uno no percibe la diferencia entre tema y tema. Y sobre todo cuando nos encontramos ante melodías tan similares entre si, de esto como prueba estan "Ay nenita" y "Nómade", en donde al desarrollarse las estrofas es que ambas canciones respiran el mismo rítmo, cadencia y melodía de forma casi identica entre si. Lo mismo ocurre con "Niñas", en donde la melodía de las estrofas recuerda demasiado a "Puedes dibujar la ausencia". Es una lástima que ante tan buenos paisajes sonoros sean contadas con los dedos de una mano las excepciones en donde se perciba la frescura que exudan canciones como en "Ay nenita" o "Puedes dibujar la ausencia", las cuales tanto por su rítmo y melodía, se te impregnan de forma muy acertada e inmediata.
Líricamente O-bri intenta mostrarse interesante, profundo, humilde y pueril, pero tal cual como ocurre con su voz, es rebuscado, impreciso, repetitivo y carente de personalidad, mostrando una constante falta de recursos (u obsesión) al repetir de forma casi constante durante las 14 canciones que se suceden en el disco las palabras 'solo' (31 veces); 'mi' (28 veces); 'tus' (26 veces); 'sin' (25 veces); 'piel' (20 veces); 'amor', 'cielo' (19 veces); 'quieres' (18 veces); 'manos' (16 veces); 'cuerpo', 'ojos' (13 veces); 'hoy', 'caricias' y 'hasta' (11 veces); 'alas', 'fue' y 'tiempo' (10 veces). Acrecentando aún más de esta forma la constante sensación de monotonía que envuelve a las letras de las canciones. Todo esto sin contar las referencias totalmente innecesarias y rebuscadas hacia los autores que tanto reverencia, como es el caso de la canción "Muda Piel (a L.A.S)", en donde nombra a la "Ana no duerme" de Almendra, logrando un resultado inconexo con el resto del texto. "Ay nenita" posee una de las letras más redondas y autoconclusivas del disco, que por momentos pareciera que hace referencia a 'Lolita', pecando de cierta misoginia/machismo. "Puedes dibujar la ausencia" es sin duda alguna lo más asentado y maduro que como escritor se puede apreciar de Osvaldo en la obra.
"AIRESUENAENPIEL", un excelente trabajo sonoro/musical que nos muestra a un O-bri buscando un sentido a lo vivido, un re diseño de la propia experiencia, la cual intenta encausar cerrando el disco con "Solo hay camino", en donde se puede encontrar la frase "Si diseñamos desde el error la vida nos mezquina un buen final."

Mr. Moonlight

Adanowsky "Ada" (2014).

Adanowsky es un músico, cantante, compositor, letrista, actor y director que con este, su tercer disco "Ada", culmina una trilogía conceptual precedida por los discos: "Amador" (2010), y "El Ídolo" (2008).
Musicalmente este disco es el que más se diferencia de sus dos anteriores, más que nada por estar enrolado en un estilo completamente fijo, que es el de glam/funky de los setentas. Con notorias influencias del pop bailable (y por momentos meloso) de esa época, el de interpretes como Prince o Marvin Gaye. En esto, Adan no cae en la burda mímica o imitación de fantoche, nada de eso, las canciones tienen personalidad, son redondas, se defienden por si solas, con gancho, melodías muy pegadizas y con un objetivo claro: entretener con muy buena música.
Instrumentalmente el álbum reboza de buen gusto. Con ejecuciones muy simples, pero efectivas en cada compás, con cada segmento bien planeado y ubicado. Cada arreglo colocado en el punto justo, siempre en favor de la canción, apoyando la melodía. Sin sobre actuaciones o excesos de ningún tipo. Sino que cada instrumento cumple su función acorde al momento.
Vocalmente este disco es diferente a sus anteriores, no solo por estar cantado en su totalidad en inglés, sino porque la voz de Adanowsky suena diferente. Si bien, uno estaba acostumbrado a su timbre medio/grave que lo emparentaba con interpretes como Bunbury o Calamaro, acá va en dirección contraria, desplegando sonidos medios y agudos de su garganta, con muchos toques glam, y coros con muy buenas armonías, logrando un resultado realmente unificado y variado en cada composición. Con una interpretación que lo distingue por si mismo.
Líricamente el disco encara el autoconocimiento desde una perspectiva muy singular, el de la auto exploración del lado femenino de cada uno, profesando cierto hedonismo, pero sin perder en ningún momento el concepto que él mismo Adan a dado en entrevistas: "parto con la teoría de que somos mitad hombre y mitad mujer, porque venimos de un padre y de una madre".
A nivel sonoro la obra es impecable, con un sonido claro, conciso, sin sobre cargas de ningún tipo, sino que directo y refinado, acorde al estilo musical que desarrolla a través de cada canción.
Para destacar tenemos la canción que abre el disco "Dancing To The Radio"; la balada "Would You Be Mine"; o la energética "Ger Up And Fight". Esto es "Ada", un disco sin desperdicio alguno, para escuchar y disfrutar de principio a fin.

Mr. Moonlight.

WHITESNAKE "The Purple Album" (2015).

Whitesnake acaba de lanzar su más reciente disco que no es otra cosa que un puñado de covers de Deep Purple de la era Coverdale/Hughes.
Musicalmente el mismo hace agua por los cuatro costados, no porque técnicamente sea malo, sino porque interpretativamente es tan chato como innecesario. Con versiones plagadas de yeites de rock duro, intentando modernizar composiciones que no necesitan ser re visitadas o actualizadas. Con solos tan largos como infructuosos, atiborrados de notas a una velocidad que por exceso de técnica deja un hueco interpretativo enorme. Y en esto último convengamos que la banda supo tener guitarristas que lograron resultados más acordes con el estilo e historia de Purple que los actuales que integran Whitesnake.
Vocalmente el disco es seco. Desprovisto de toda galantería y buen gusto, con un David Coverdale ya ajado por los años. Con una voz que si, tiene personalidad, pero desprovista de color, de vida, de interpretación que ayude a sacar del escollo que representa la tortura de escucharlo prácticamente degradar la historia que él mismo ayudo a construir. Tanto que ninguno de sus colegas de época a logrado tener un resultado tan deslucido como lo es este disco en su totalidad. Que el mismo, de haber sido lanzado hace 10 años, cuando la banda hizo su revival con el DVD "Live... In the Still of the Night", la situación quizás hubiese sido mucho más decorosa y auspiciosa, no solo por la época, sino por los mismos músicos que lo acompañaban en aquel entonces.
Los músicos que actualmente componen Whitesnake, no son malos, no ejecutan mal, pero se encuentran tan desprovistos de personalidad que desconcierta, tanto que por momentos ni parecen Whitesnake, y ejemplo de esto es el bochornoso final que le dieron a una canción como "You Keep On Moving".
A todo esto, soy consciente de haber escuchado durante diferentes épocas tributos a Deep Purple muchísimo más horrorosos que este. Algunos un poco más decentes y frescos que otros, pero igual, esas composiciones no merecen el trato que aquí se les ha dado. Más aún teniendo en cuenta que en el mismo campo y utilizando exactamente las mismas canciones que se incluyen en este disco hay resultados con mucho mayor grado y vuelo. Por citar algunos ejemplos estan Glenn Hughes ("Gypsy"); Jorn Lande ("Burn"); Tony Martin ("Stormbringer"); y Hughes/Turner Project ("Mistreated").
En fin, con un total de 14 canciones, "The Purple Album", es un disco que falla en su cometido al intentar vendernos algo que ya existía en un formato mejor: el original. Demostrándonos, no solo la falta de ideas para poder re inventarse del Whitesnake actual, sino también que los días de gloria que tanto añora David Coverdale no volverán jamas. Como dice Alejandro Jodorowsky "Usemos nuestro pasado como trampolín, no como sofá", y por lo visto a Whitesnake el sofá viejo no lo muestra en comodidad.

Mr. Moonlight.

BABYMETAL "BABYMETAL" (2014).

BABYMETAL es una banda japonesa integrada por las Idols Su-metal, Yuimetal y Moametal en las voces. Complementadas por los músicos Takayoshi Ohmura (Guitarra); Leda (Guitarra); Mikio Fujioka (Guitarra); Boh (Bajo); Hideki Aoyama (Batería); Yuya Maeta (Batería).
Habiendo lanzado al mercado entre los años 2011 y 2013 cinco singles, nos encontramos con este album que no es otra cosa que una suma de sus anteriores lanzamientos más el añadido de 3 nuevas canciones.
Musicalmente el disco se despliega como si fuese un catalogo, conteniendo todas las variantes más populares que el Heavy Metal actual posee, sin privarse de ningún tipo de experimentación. En el mismo se pueden encontrar Power Metal mezclado con Breaks intensos ("Megistune"); Blast Beat ("Gimme chocolate!!"); velocidad Thrash ("Headbangeeeeerrrrr!!!!!"); cortes progresivos que rozan el Djent más aguerrido ("Akumu no Rondo"); Speed Metal con velocidad y melodías que remiten al Power Metal más tradicional ("Ijime, Dame, Zettai"). Como así también experimentación del tipo más moderna: mezclar Dubstep con Metal ("U•ki•U•ki★Midnight"); o sin ir más lejos, la canción que compone su segundo single ("Iine!") la cual es un híbrido entre metal, dance, Idol, breaks extremos, growls y screams, más algo de Hip-Hop (!).
O el breve coqueteo que hacen con el Reggae en "4 no Uta" mezclandolo con Thrash.
Vocalmente el disco no suena a Metal, sino a todo lo contrario: a J-POP, con melodías muy pegadizas, con gancho, que quedan atrapadas en la mente del escucha. Las interpretes tienen voces limpias, por momentos aniñadas, pero sin quitarle carácter o fuerza a cada una de las composiciones. Vale mencionar que aparte de las voces principales, el disco cuenta con voces guturales agregadas en segmentos puntuales de las canciones, sumando de esta forma intensidad al espectro musical creado.
Líricamente la obra se aleja completamente de los tópicos usuales a los que se asocia al Heavy Metal. Centrándose en este caso en cuestiones un tanto más cursis o ingenuas, propias de la edad de sus cantantes. Es así como el disco aborda letras que hablan sobre despertar temprano para ir al colegio y luego ir de fiesta ("Do•ki•Do•ki☆Morning"). Pedirle dinero al padre para poder comprar cosas ("Onedari Daisakusen"). Jugar con un demonio ("Catch me if you can"). O la más emblemática "Ijime, Dame, Zettai", que se presenta como un himno en contra del bullying y a favor de la igualdad.
BABYMETAL, un grupo que nació como una unit de Sakura Gakuin en 2010 para luego convertirse en una banda estable, cumple de sobre manera con su objetivo: entretener a través de la mezcla de dos géneros que a simple vista parecieran no tener demasiado en común, pero que acá comulgan de forma tan natural como sorpresiva.

Mr. Moonlight.

Pablo Scalabrelli "Lo Que Soy" (2013).

Primer lanzamiento como solista de Pablo Scalabrelli, eximio guitarrista y profesor, ahora enrolado en papel de cantante e interprete de su propia obra.

Con canciones nacidas en compañía de su guitarra, estilísticamente el disco suena a rock, con tibios coqueteos a otros estilos como el pop, blues ("Mientras Cae La Noche"), funk ("Vamos Levantando") y el Hard Rock de finales de los 80's. En esto último vale destacar "Seguir Atados"; "La Distancia"; "Tus Cartas Marcadas"; y "Locura Entre Las Manos", que al escucharlas no hacen otra cosa que remitirme indefectiblemente al Whitesnake del disco "1987".
Por el lado del pop tenemos a "Lo Que Soy", que de forma inconsciente remite al "Just Take My Heart" de Mr. Big, pero en un tono más cursi y como si a ésta la interpretara Alejandro Lerner (!).
Vocalmente, aunque el sonido y tono que eligió Pablo para interpretar sus canciones me recuerda demasiado a Luis Barni, el disco intenta seguir la misma línea de su música, ser variado. Sobre todo cuando intervienen los cantantes invitados en "Lo Que Soy" y "Te Sueño", pero aún así cae en la monotonía y repetición de recursos durante más de una vez. Ejemplo de esto es el estribillo de "La Distancia", el cual rítmicamente es idéntico al de la canción "Al Final Donde Vas". Algo similar, pero aplicado de otra forma, es lo que ocurre a las canciones "Vamos Levantando"; "Tus Cartas Marcadas"; "Te Sueño"; y "El Sol De Los Placeres", en donde llegando sobre el final de las mismas es que sus respectivos estribillos no hacen más que repetirse de manera contínua una y otra vez, logrando así perder todo atisbo de agrado para con la canción por la repetición de este recurso.
Musicalmente, en lo instrumental, y a nivel interpretativo, aunque técnicamente prolijo, el disco carece de personalidad, de vuelo, sobre todo en lo que respecta a la base formada por la batería y el bajo. Instrumentos que al escucharlos suenan forzados, dubitativos, como si sus interpretes ejecutasen todo a tientas, sin saber realmente de que va la canción que están tocando, o cual es el objetivo de la misma. Esto se hace muy evidente al escuchar a Pablo interpretar con mucha energía (y cierta entrega a nivel vocal) canciones como "Seguir Atados" y "Te Sueño", en donde la pasividad demostrada por los instrumentos antes mencionados restan vértigo y fuerza a canciones que perfectamente podrían haberse comprado el disco de entrada. Otro ejemplo de esto es "Tus Cartas Marcadas", en donde a partir del minuto 02:55 la base sostenida por el baterísta se empantana, queriendo agregar fuerza y vertigo produce todo lo contrario. Lo mismo ocurre en "Vamos Levantando", en donde el conjunto suena desarmado, sin una guía, evidenciando problemas de tempo en el baterísta, sobre todo al escuchar dos pifies (uno en el minuto 02:02 y otro en el minuto 02:27).
A todo esto, las guitarras son lo más logrado del disco, con riffs y arreglos muy bien armados y dispuestos en favor de las composiciones. Con solos de calidad y buen gusto, de sonido e intenciones claras, con buena técnica e interpretación acorde, los cuales ante la carente falta de identidad musical del resto de la banda, empalidecen.
A nivel lírico el disco es confuso. Como un todo indefinido en donde se mezclan lo personal, con lo externo, como si se tratase de una neurosis sin resolver, en donde el camino recorrido no es suficiente y sin saber porque. Generalmente apuntando hacia personajes externos, como en "Al Final Donde Vas", que con su final irresoluto deja más dudas que certezas. Las letras intentan ser profundas, imaginativas, pero caen en lo obvio, lo repetitivo o lo esquivo. Cuando intenta ser sincero, exterioriza. Cuando quiere exteriorizar, el resultado es contrario. Aparte de lo ya mencionado, los textos sufren muchas falencias en lo gramatical, rozando el constante rebusque, dejando la sensación de que los mismos nacieron de forma independiente a la música para luego ser 'incrustados' de alguna forma en que suene decorosa y prolija al oído.
Entrando en lo sonoro, la obra cumple con lo que pretende, claridad y definición son dos palabras que le calzan justo.
Como escucha indispensable, en donde se disfrutan los puntos fuertes de Scalabrelli como compositor e interprete tenemos a "Seguir Atados"; "Tus Cartas Marcadas"; "Locura Entre Las Manos"; y "Mientras Cae La Noche", en donde logra un resultado más que agradable por lo directo, fresco y entrador que se respira en estas canciones.
Vale resaltar la versión acústica de "Tus Cartas Marcadas" que cierra el disco, en donde de forma casi exquisita la canción es arreglada a tal punto de elevarse a otro nivel, el cual se ve algo empalidecido al ser vocalmente un copy/paste de la versión original. Quizás si en las voces hubiese sido también renovada su interpretación el resultado sería aún más auspicioso. Lo mismo para con el track escondido al final de la última canción, el cual es una versión instrumental de "Seguir Atados" que me recuerda mucho a "Respect The Wind" de Eddie Van Halen, pero desarmado.
"Lo Que Soy", un disco que nos muestra a un Pablo Scalabrelli que tal cual reza el estribillo de la primer canción del disco, este busca "No seguir alucinando en brillos huecos".

Mr. Moonlight.

Up Up Girls "Third Album (Kari)" (2015).

Up Up Girls es un grupo de J-Pop formado en 2011 por UFP. El mismo lleva a la fecha editados 20 Singles y 3 Discos.
En este tercer disco, y al igual que en los dos anteriores, nos encontramos con un puñado de canciones muy bien acabadas que corresponden a cuatro Singles lanzados previamente. Sumadas a ellas hay 4 canciones nuevas completando un disco de 15 temas en total.
Estilísticamente el disco como obra es muy variado, tanto como la cantidad de compositores y arregladores que intervinieron en la confección de cada canción. En esto, el disco es directo, no es un pop tímido o indeciso que 'coquetea' con otros estilos solo por gusto de acaparar la atención. No, acá es en donde se pueden escuchar cosas rozando el speed metal con guitarras al frente bien marcadas ("Kira Kira Mirai"); al lado de canciones repletas de ritmos Dance ("Zenryoku! Pump Up!!"); Dubstep ("(Kari) wa Kaesuze ☆ be your soul"), EDM con su cuota de autotune cubierta ("Bijo no Yajuu"); y canciones con todo el clima del Pop/AOR más socarrón y pasatista que se pueda encontrar sin perder nunca el toque nippon ("Beautiful Dreamer", "Runway" y "Kono Melody wo Kimi to" a la cabeza).
Las canciones por si mismas son redondas, sencillas, entretenidas, sin lugar a doble interpretaciones; con muy buenas melodías y con los arreglos propicios según cada composición. Si hay algo que sabe transmitir muy bien el grupo en sus conciertos es energía, que son ruidosas, y en "Jumper" se puede encontrar algo de eso, como así también evidenciar en la misma el tipo de composición que el grupo supo gozar en sus primeros lanzamientos.
Las letras de las canciones reflejan esperanza, sueños, ideales de pureza y auto superación que acompañan muy bien a la música.
Vocalmente el disco no es fuerte. Y aunque las interpretaciones de las 7 chicas que integran el grupo es buena, ninguna destaca por sobre la otra, sino que se mantienen en una perspectiva sonora bastante plana, casi sin personalidad. Es ahí en donde las melodías de las canciones que interpretan y muchas veces el rítmo pegadizo con el cua
l se las ha dotado hacen que las mismas se defiendan por si solas.
En el disco no hay balada o 'tema lento' de ningún tipo, simplemente hay energía, fuerza y buenas composiciones, cosa que Up Up Girls a demostrado tener muy en claro y saber defender desde un principio en su carrera, no por nada se auto proclaman en "Zenryoku! Pump Up!!" como "The number one fighting girls".

Mr. Moonlight.

Takui Nakajima "BEAT&LOOSE" (2013).

Takui Nakajima es un eximio cantante, guitarrista, compositor y letrista de Rock que con 36 años de edad a conseguido editar en los últimos 16 años nada más ni nada menos que 23 Singles y 16 Discos!!

En este caso, y debido a la dificultad que representa conseguir su más reciente disco "Renga no Ie" (editado a principios de Abril de este año) me avoco a reseñar su anterior CD "BEAT&LOOSE", editado en Octubre de 2013.
Musicalmente, en "BEAT&LOOSE", Takui sigue haciendo gala de su gusto por The Beatles, Queen y el punk británico mas tradicional. Al escuchar este disco no esperes grandes solos de guitarra, pasajes intrincados, o relucientes de técnica porque no los hay. Sus canciones, todas, las dieciséis que componen el disco, destilan fuerza y energía a raudales. Con instrumentaciones simples, si, pero todo en favor de la melodía y la potencia interpretativa que aporta la voz de Takui a cada una de sus composiciones. Que si, hay buenos arreglos, cuerdas, muchos coros y armonías, pero todo siempre en favor de la canción.
Vocalmente hablando, Takui 'grita', mucho, de forma constante, y muchas veces hasta desaforada. En esto no hablo del grito estridente propiamente dicho, o de algo sonoramente 'desgarrador', sino de alguien que usa toda su potencia vocal y buen gusto equilibrados para realzar melodías realmente pegadizas, frescas y llenas de entusiasmo. Tsunku en su momento declaro, durante un streaming que compartieron en 2011, que "Takui es un sorprendente creador de melodías. En los últimos 10 años debo haber conocido quizás a 2 o 3 personas tan buenas como él."
Líricamente el disco es variado pero directo. En esto, al igual que con su música, Takui no es sutil, siempre va de frente, sin miedos, buscando decir lo suyo sin importarle demasiado como lo vaya a tomar el resto. Ejemplo de esto es la canción que abre el disco "GET THE FxxK OUT!!!!", o promediando el CD, en una variante un poco más 'violenta/oscura' esta "DARE MO WAKATTE KURENAI". En el resto de letras tocan tópicos habituales, pero siempre alentando a dar lo mejor de uno sin importar el momento que sea, sino de hacerlo primeramente por uno mismo y luego por el resto. Reflejo de esto son las canciones "Sarakedasu" y en un toque más personal "YES, MY WAY".
Como cierre la obra goza con una de las canciones más emotivas y cargadas de expresión de todo el disco. En un tono de balada nada melosa ni cursi, sino todo lo contrario, con la emotividad de alguien que recorre a modo 'final de pelicula' su propia vida y sus emociones mas internas está "Kouenji".
En resumidas cuentas, "BEAT&LOOSE" es un gran disco de Rock nippon, que no aburre bajo ninguna forma y que no solo sirve para encontrarse con canciones frescas, sino también con un interprete y compositor que mantiene una actitud renovada de forma constante.

Mr. Moonlight