Yuu Kikkawa "YOU the 3rd. ~WILDFLOWER~" (2015).

Yuu Kikkawa es una Idol, cantante, actríz y modelo de 23 años que bajo el management de UP-FRONT CREATE y la edición/distribución del sello Universal Japan, a conseguido editar desde su debut en 2011, nueve singles y cinco discos. "YOU the 3rd. ~WILDFLOWER~" es su más reciente lanzamiento (tercer disco de composiciones originales), el cual incluye canciones de sus últimos 3 singles más 5 temas nuevos.

En ésta ocasión Kikka nos trae un álbum maduro, fresco, lleno de energía y matices tan variados como los que ella entona con su voz al interpretar cada una de las composiciones, haciendo gala no solo de técnica y buen gusto, sino también de ser una de las interpretes más finas dentro del estilo. De ésta forma la obra se desarrolla con cierto tono más serio y maduro, interpretando composiciones un tanto mas adultas, dejando un poco de lado todo el espectro 'teenager' que supo tener en discos anteriores, lo cual no desentona en ningún momento, ni queda fuera de lugar, sino que muestra a una Yuu más suelta, decidida y fresca, dispuesta a dar un paso más a nivel artístico y logrando resultados realmente convincentes.
Como prueba de ésto están las canciones: "URAHARA Temptation", que abre el disco con un potente EDM en donde Kikka se desenvuelve con fuerza y sin problemas, demostrando inclusive que puede rapear en una composición llena de gancho, fuerza y frescura.
"Akane Disco" le sigue en la lista, desarrollándose de forma rápida con soltura en un pop en donde la banda ejecutante acrecenta el vértigo en cada puente y estribillo mostrándonos una Yuu llena de energía.
"'Suki' no Kazoekata" se destaca por su simpleza y temática que bordea lo inocente, sin dejar de ser romántica, y dándole frescura al significado de 'kawaii'.
"Amai Melody" nos presenta a una Kikka interpretando una composición EDM con un piano en tono de balada melancólica, en donde la emotividad se hace presente a flor de piel, con una letra tan profunda como simple, evidenciando cierta angustia neurótica de la protagonista, siendo ésta el centro de su universo, acrecentando cada vez más la sensación de que nada parece ser suficiente, roles que la misma Yuu sabe interpretar y defender a la perfección.
"Planetarium" se desarrolla como la clásica balada en donde los protagonistas son solamente una guitarra acústica y la voz de Kikka, creando un ambiente calmo y apacible de principio a fin, dando un poco de respiro a la tensión y velocidad reflejados anteriormente.
"Ii jan" es por auto definición una canción optimista de principio a fin, en donde la energía de su estribillo contagia y reanima al instante.
"Konna Aishicha" se desarrolla como una balada que por momentos recuerda un poco a "Early Snow", lado B de su tercer single, solo que sin el toque navideño de ésta última, pero con un estribillo tan de emotivo y memorable como a los que tan bien nos tiene acostumbrados.
"Hana" llega, a nivel artístico, como el gran 'BOOM' del disco, presentada de ante mano en su propio single como 'la canción Idol más larga de la historia', con una duración de 17 minutos y 25 segundos, la cual, dividida en tres actos representa una de las obras más completas, arriesgadas, épicas, y heroicas dentro del estilo. En donde si, a nivel musical también hay EDM, pasajes calmos, rápidos, y notables referencias al speed metal que supieron desarrollar agrupaciones como Versailles; y hasta un segmento inspirado en el "Bohemian Rhapsody" de Queen, pero que sin dejar nunca de lado el formato canción nos ofrece un viaje imperdible, lleno de emociones, reflexiones, y pensamientos que van mas allá de lo cotidiano, con una letra tan acorde a la magnitud de su música, y que de forma tan exquisita supo interpretar Clixo (un colega amigo) del cual pueden leer en un texto aparte AQUÍ.
"WILDSTRAWBERRY" se desprende desde su comienzo casi como una continuación de "Hana", no solo por su introducción, sino por su desarrollo musical pleno en EDM, y con una letra que deja de lado los problemas amorosos centrándose de forma reflexiva en el paso del tiempo.
"Stairways" da cierre al disco de forma optimista, con gancho y frescura, recordando un poco a las composiciones mas rápidas de su álbum debut.
"YOU the 3rd. ~WILDFLOWER~" nos muestra a una Kikka madura, fuerte, dando un paso más a nivel artístico, tomando riesgos y logrando resultados destacables, entreteniendo, dejando al escucha satisfecho, y aún con ganas de seguir escuchando más.

Mr. Moonlight.

Beyond Creation "Earthborn Evolution" (2014).

Beyond Creation es una banda canadiense de Death Metal Progresivo (o Technical Death si lo prefieren) compuesta actualmente por Simon Girard (voz/guitarras); Kevin Chartré (guitarras); Hugo Doyon-Karout (bajo); y Philippe Boucher (batería).
Desde su fundación en 2005 la misma ha lanzado al día de la fecha un Demo y dos Álbumes, la review a la que me aboco hoy es sobre su segundo disco "Earthborn Evolution", de 2014.
Lo de Beyond Creation es bien simple pero complejo a la vez. Por un lado tenemos a una banda estilísticamente afianzada en su propuesta, directa, sin medias tintas, yendo al grano en cada momento. Estamos hablando de músicos de colosales instrumentaciones, intrincados ritmos, velocidades extremas, kilométricos lucimientos en cada uno de sus componentes y composiciones, y voces guturales acorde a toda banda Death que se precie como tal.
Por otro lado tenemos en "Earthborn Evolution" un disco tan solido y directo como las intenciones y recursos que la agrupación exhibe, en donde la melodía es la protagonista absoluta en cada una de las 10 composiciones que integran éste álbum, las cuales dejan su impronta casi de forma inmediata, resultado que se acrecienta aún más con cada una de las sucesivas escuchas.
Más allá de que el material que integra el disco puede llegar a ser algo complicado de asimilar o digerir, y de que muchos de los componentes de la obra ya han sido debidamente expuestos por otros referentes en el estilo, el resultado nunca deja de ser superlativo. Estamos hablando de voces guturales en el tono justo, sin excesos. Guitarras de 8 cuerdas ejecutando riffs intrincados y melodías pegadizas de todo tipo, en donde sus ejecutantes hacen gala de buen gusto, precisión, y una solvencia casi cibernética, ejemplo de ésto es la canción "L'exorde". Lo mismo ocurre con el baterista, quien se desenvuelve de manera impecable, resolviendo de forma casi natural cada uno de los pasajes a los cuales es sumergido. Nota aparte para destacar es la labor realizada por Dominic "Forest" Lapointe, quien fuera responsable del bajo en la agrupación hasta principios de éste 2015 en que decidió abandonarla por motivos personales. La labor de Forest es realmente destacable en todo sentido, empezando por el sonido de su instrumento, que más allá de la impecable ejecución de un bajo fretless de 6 cuerdas, brinda a la agrupación un sonido de admirable distinción por sobre el promedio de forma íntegra, desarrollando a través de cada una de las composiciones melodías efectivas, que no solo realzan su labor como interprete o arreglador, sino que complementan de forma ajustada el trabajo de los demás instrumentos. Como ejemplo de ésto basta con ver y escuchar "Eartborn Evolution", composición que da nombre al disco.
En cuanto a la obra, no está demás decir que la misma logra posicionarse como un referente absoluto dentro del genero, en la que si, todo está desarrollado desde un punto de vista desorbitado, soberbio, ampuloso, en donde pareciera ser que el ego de los interpretes es el motor principal, no solo en lo musical, sino también en lo lírico, la mayoría de sus letras tratan sobre conflictos internos o sociales, todas escritas e interpretadas por su principal artífice: Simon Girard.
Volviendo a lo musical, si, el contenido del disco es el metal extremo a maratónicas velocidades, pero sin dejar de lado los pasajes mas calmos, otorgando un contraste más que positivo, lleno de matices y climas muy bien logrados en su totalidad, muchos de ellos emparentados con el Jazz Fusión más moderno. Como ejemplo de esto tenemos el segmento durante el solo de "Sous la Lueur de L'empereur"; el interludio del tema instrumental "Abstrait Dialog"; o el solo de la ante última composición, "Theatrical Delirium", en donde el despliegue y cohesión de sus componentes hacen gala, no solo de técnica, sino buen gusto por la melodía. Cerrando el disco tenemos "Fundamental Process", una composición que destaca por lo épico y heroico de su ambiente, englobando y concluyendo de forma magistral todo el recorrido por el cual nos condujeron durante los 46 minutos de duración de la obra.
Beyond Creation, una banda que con "Earthborn Evolution" no solo logra consolidar las intenciones esquivas o inconclusas de su álbum predecesor, sino que logra mucho más, aumentando la calidad, adueñándose de un terreno pocas veces explotado con tal efectividad como la demostrada, haciendo imprescindible su escucha.

Mr. Moonlight.

BUCK-TICK "Arui wa Anarchy" (2014).

Con poco más de treinta años de carrera, 19 álbums, y reconocidos como fundadores de la corriente Visual Kei, BUCK-TICK nos trae en su más reciente disco, "Arui wa Anarchy" 14 canciones llenas de lo que tanto bien han sabido desarrollar desde siempre: ese rock/pop/punk claramente influenciado por la corriente musical británica de los 70's y 80's.

Es que es innegable, si te gustan Love & Rockets, Bauhaus, XTC, The Clash, Kraftwerk, The Sisters of Mercy, Siouxsie and the Banshees, Iggy Pop, David Bowie, o hasta los primigenios Héroes del Silencio, es indudable que BUCK-TICK va a saber como sacarte más de una sonrisa y emocionarte al mismo tiempo. La banda lejos está de ser una copia descarada al borde de la parodia, sino que con personalidad, buen gusto y excelencia es que han sabido amalgamar de forma admirable cada uno de los elementos mencionados, añadiendo a todo de forma tan distinguible como excelsa las melodías con que tan bien se distinguen los compositores e interpretes del mercado musical japonés.
Instrumental y musicalmente la obra es variada, precisa, llena de matices y arreglos muy bien desarrollados, producidos y ejecutados con un nivel interpretativo tan fino como elocuente, dando cátedra en todo momento, no solo de poseer un estilo refinado, sino también de un nivel al cual muchos aspiran pero que pocos llegan.
Liricamente el disco toca los tópicos a los que nos tiene acostumbrados desde siempre: las historias de amor; las distopías; eventos comunes, cotidianos (como el insomnio) bajo la mirada algo fatalista de Baudelaire o Voltaire, tiñiendo de esta forma con algo de humor las situaciones; todo de forma directa, sin vueltas, sin segundas lecturas o enigmas a descifrar, dejando de lado todo tipo de sofisticación barata o pretenciosa, demostrando que en la sencillez no solo hay efectividad, sino también inmediatez, aunando de ésta forma los textos a la música como si fueran una sola cosa totalmente dependientes la una de la otra, logrando así un resultado más que conciso y admirable.
Y es que "Arui wa Anarchy" es directo, preciso, eficaz, galante, repleto de buen gusto y justeza tal que apabullan, no solo por la solvencia que demuestran, sino por la frescura que exudan en cada composición, evidenciando que los años de trayectoria no han menguado la creatividad, el vertigo, y la frescura en una banda que hace pie firme en donde muchas otras (siendo de este estilo o no) tambalean, desaparecen o simplemente se transforman en un espejismo nostálgico de lo que alguna vez lograron pero que no pudieron mantener. Como muestra de ello están las canciones: "Dada Disco -G J T H B K H T D-" abre el álbum de forma directa y contundente, con un dueto vocal en constante pregunta/respuesta entre Sakurai e Imai, logrando de ésta forma enganchar de buenas a primeras al oyente. El resto de las canciones se suceden con el mismo vertigo y frescura, experimentando diferentes texturas, como lo expresan las subsiguientes "Uchuu Circus", "MasQue" o "NOT FOUND". Lo mismo ocurre con los segmentos más calmos y atmosfericos del disco como en "Melancholia"; "Satan"; "Mudai"; o la que finaliza la obra, la excelente "Keijijou Ryuusei -Metaform-". En el lado más 'experimental' tenemos a "SURVIVAL DANCE", que como lo indica su título, es bailable, y mucho!!
BUCK-TICK, banda que con "Arui wa Anarchy" nos demuestra que la trayectoria no merman el entusiasmo y la creatividad. Que el pasado no es un sillón en el cual recostarse y sobrevivir, sino que lo utilizan como un trampolín para continuar siendo a nivel artístico quienes siempre fueron, fieles así mismos, y a las obras que crearon (y crearan) en conjunto.

Mr. Moonlight.

Rata Blanca "Tormenta Eléctrica" (2015).

Noveno disco de estudio con material original de la banda hoy auto denominada o encasillada en el 'Rock Metálico', otrora cultores de 'Heavy Metal' y 'Hard Rock'.

Lo cierto es que hoy por hoy la agrupación nos trae 11 canciones plagadas de puro rock, en donde muchas veces recuerda más a AC/DC que al Deep Purple o Rainbow al que nos tenían acostumbrados. Más allá de esa diferencia, éste disco tiene un problema de contexto, ya que si lo vemos desde el lado artístico/cultural por el que desde hace más de una década atraviesa el mercado discográfico Argentino (y latinoamericano también) en donde se considera como bandas de rock a grupos como Tan Biónica, Bersuit Vergarabat, Kapanga, o tantas otras que suenan más bailables que otra cosa, entonces si, el nuevo disco de Rata Blanca es una excelente obra de rock a rajatabla y sin dudas sirve para reivindicar la palabra como tal dentro de un género tan bastardeado.
Pero, si vemos el desarrollo de Rata Blanca a nivel musical desde su primer disco (y sin tener en cuenta la variedad de cantantes que ha sufrido el grupo) "Tormenta Eléctrica" es soporífero, aburrido, redundante, carente de vértigo, emoción u objeto. Y una cosa es decir que la banda se haya dedicado a hacer 'más de lo mismo', porque casi que no habría problemas con ello si la misma mantuviera las cotas de calidad acostumbradas, pero acá no es así. O sea, si, es más de lo mismo, pero adelgazado, bajo en calorías, sin fuerza, como si se tratase de un yogur para quienes tienen transito lento, pero más insípido. Si observamos la obra como lo que es: 11 canciones de rock, con algo de AOR, y algún que otro solo medianamente inspirado, el disco sigue adoleciendo de los mismos problemas antes mencionados, solo que con el agregado de ser demasiado pretencioso, dando por resultado una obra plástica, carente de emotividad, y fuera de época, anticuada. Con letras que rozan la ridiculés y lo absurdo, en donde uno no sabe si está leyendo algo escrito por Pomelo o si directamente todo lo expuesto es un chiste que nadie explico muy bien de que iba. Ya que leer que una persona de 55 años de edad como lo es Walter Giardino, que vive desde hace más de 10 años en España, escribe en la canción "Buscando pelea" la frase "Somos los hijos de la noche, los que sangramos por el rock, almas rebeldes y diferentes", no representa otra cosa que una fantasía de marketing ridícula, obsecuente por demás, e irreal en toda su dimensión. Que si es por esgrimir fantasías se hubiese quedado con las leyendas, las hadas, y los magos, no con semejante burrada disfrazada de rebeldía. Otro aspecto no menos alarmante es ver como la introducción de esa misma canción es casi idéntica a la de la canción "Guerrero de Luz" de la banda Patán, grabada en 2010.
Hay que reconocer que a nivel compositivo e instrumental Rata Blanca nunca fue Dream Theater, ni mucho menos, lo cual no justifica que las canciones tengan un tratamiento tan 'banda de garage', al grado tal de volver insufrible y al mismo tiempo irrisoria la escucha. Porque una cosa es producir las canciones con cierta simpleza sin dejar de lado la efectividad, y otra cosa es esbozar intentos de ambientes épicos de forma irresoluta y repetitiva pretendiendo que eso produzca cierto gancho por insistencia más que por calidad. Es lamentable que una banda con tantos años de trayectoria se despache con un disco tan monótono y aburrido, con composiciones de catalogo, sin riesgos o novedad alguna, careciendo de frescura, y otorgando una experiencia tan olvidable como lo es el tema instrumental "Batalla Persa", el cual no tiene nada de batalla, ni tampoco de Persa, y que parece más un 'toquemos tres acordes durante 5 minutos que el resto lo rellenamos en vivo con lo que se nos ocurra' antes que otra cosa.
Vale mencionar que las únicas dos canciones que, sin tomar en cuenta lo insulso de las letras, resultan ciertamente frescas a nivel melódico son "El jugador" y "Pequeño angel oscuro", más que nada por lo logrado del resultado, sonando AOR y ganchero. El resto es simplemente olvidable.
"Tormenta Eléctrica", una obra que sin llegar a ser mala u horrible es gracias a sus pretenciosas fantasías incongruentes que se torna predecible, aburrida y prescindible en toda su inmensidad.

Mr. Moonlight.

GEMINIS "Géminis" (2015).

GEMINIS es una novel banda de la ciudad de Córdoba, la cual lleva editados al momento un EP de 6 temas, y este Mini Álbum de 8 canciones, del cual trata ésta review.

Estilísticamente el grupo se enrola en un rock/pop sencillo, efectivo, de calidad, con muy buenas instrumentaciones, en donde los matices brillan de par en par en cada una de las canciones.
A nivel instrumental la banda suena concisa, ajustada, ubicada. En esto es notable que los músicos tienen muy en claro su rol dejando de lado todo tipo de exhibicionismo estéril y trabajando siempre en favor de la melodía, de la canción, todo aplicado con excelente criterio y buen gusto. Ejemplo de esto es "Estrellas rosas", en donde la banda se despliega a sus anchas con una de las melodías y rítmos más gancheros y memorables de la placa, dejando muy en claro la solvencia y practicidad con la cual se desenvuelven, sobre todo Franco Lunghitano, quien desarrolla exquisitos arreglos de guitarra y un solo repleto de buen gusto y matices.
Vocalmente el disco es muy bueno. Lucas Alanis hace gala, no solo de técnica, sino de interpretación, siempre utilizando el matiz justo, con el color y tonos necesarios en cada composición, llenando a cada una de ellas no solo de su personalidad, sino también de emoción en cada palabra. Quizás el único escollo que le encontré sea el hecho de que en algunas palabras las sílabas que incluyen las letras "S", "LL", "Y" son pronunciadas muchas veces como "SH", notándose en frases como "Mira SHO te quiero..." (en la canción "Porque te quiero"); o como en el caso de "Estrellas rosas", donde claramente se puede escuchar "...se clavan como astiSHAS quiero pastiSHAS para el aSHER", o también más adelante, sobre la misma canción "...en mi mente estaSHAS". Más allá de ese detalle, el resto es de una calidad pocas veces escuchada dentro del género en una ciudad como lo es Córdoba. No está demás decir que Lucas sabe bien que es lo que busca, y logra demostrarlo de forma cómoda y efectiva en cada momento.
Líricamente la obra es muy completa, en donde se nota que hay una búsqueda que va más allá de lo superficial, explorando en lo cotidiano lo profundo, logrando desenterrar pensamientos, emociones, reflexiones, todas sustentadas por una razón, un porque, un objetivo, en donde las palabras esgrimidas son acompañadas sin tropiezo alguno por composiciones que parecieran haber sido creadas para tal fin, en donde la melodía no es una excusa o una casualidad, sino un medio por el cual realzar la expresión, el gancho, logrando atrapar al escucha, y en muchas ocasiones queriendo más.
A medida que fui descubriendo el CD es que gratamente GEMINIS me recordó a una versión siglo XXI de lo que fuera alguna vez en los 90s la banda mexicana Caifanes, solo que en el caso de los locales, su propuesta llega a ser un tanto más intimista, imprimiéndole a la personalidad del grupo su propia identidad, en donde las influencias son notables, pero lejos están de ser unos imitadores. Muestra de esto son las propias canciones, como es el caso de "Libre", "Cada segundo", "Caer", y "Cadaver en París" en donde es clara la solvencia con la que se desenvuelven y logran acometer sus objetivos.
GEMINIS una banda con contenido, con forma y personalidad, en donde de buenas a primeras al comenzar la obra nos dicen de forma muy sencilla "Crees feliz el ayer y eso no es crecer", lo cual no habla solo de su presente, sino de la forma en que apuntan hacia un nuevo futuro.

Mr. Moonlight.

LoVendoЯ "Iin ja nai? / Futsuu no Watashi Ganbare!" (2015).

Cuarto lanzamiento de LoVendoЯ, el cual no es otro sino que su primer single, marcando de esta forma su Major Debut en la industria discográfica de Japón.
En esta ocasión, el CD se compone de cuatro canciones, dos de las cuales son las que le dan nombre al lanzamiento, y en donde nos encontramos por partes iguales con el Hard Rock al que tan bien nos tiene acostumbrados la agrupación, con la diferencia notable en la producción a cargo de Taisei, que se destaca por la calidad y cantidad de diversos arreglos con los que ha sabido rellenar cada composición, aproximando en más de una vez el resultado al Hard Rock Californiano y asemejándose muchas veces a los primeros singles de Sharam Q, solo que con una visión actual, renovada y fresca, lo cual se acrecienta con la letra escrita por Tsunku para "Futsuu no Watashi Ganbare!". En el caso de "Iin ja nai?", ésta fue compuesta por Takui Nakajima, en donde también grabó algunas armonías y coros.
Con respecto a las otras dos canciones que integran el single, tenemos a "Desert of a moonlight night ~Tsukiyo no Sabaku~" y "Princess of lone castle ~ Koujou no Himegimi ~", las mismas son instrumentales, compuestas por Yuki y Marin respectivamente, en donde se desenvuelven a gusto dentro del metal neoclásico más tradicional, muy en la vena de referentes como Yngwie Malmsteen o Paul Gilbert.
La Edición Limitada del single viene con un DVD adjunto que incluye los MV de las dos primeras canciones, más tres nuevas composiciones interpretadas en vivo, filmadas en 'Shinjuku BLAZE' el 15 de Marzo pasado. La particularidad de las mismas es el hecho que "Sennou", la primera de ellas, es interpretada solamente por Marina (junto al resto de la banda) demostrando que puede defenderse por si sola sobre el escenario; mientras que "Soushi Souai" es llevada al frente por Reina, haciendo gala del talento que siempre la acompañó. En el caso de "Hontou no Kimochi", canción que cierra el DVD, es interpretada por la banda al completo. De éstas tres últimas canciones (las primeras dos también compuestas por Takui Nakajima), no muestran otra cosa sino la solvencia de la banda en directo, dejando en claro que aún con un sonido un tanto más crudo, la energía es la misma.
LoVendoЯ, una banda que a través de su primer single no solo demuestra fortaleza y calidad en la suma de sus integrantes, sino también en las individualidades que saben explotar por si mismas cada una de ellas.

Mr. Moonlight.

Morning Musume.'15 "TRIANGLE" (2015).

Engeki Joshibu Musical "TRIANGLE" es una obra de teatro musical basada en el manga "α -Alpha-" de Fusako Kuramochi, la misma está protagonizada por 10 de las 13 integrantes de Morning Musume'15, más la presencia de Maasa Sudo. En este caso, el disco en cuestión es un Mini Álbum de cinco canciones que forman parte de la banda de sonido de la obra.
A diferencia de otros trabajos de MoMusu, en este es necesario tener en cuenta que las integrantes no están abordando su papel Idol a la hora de interpretar las canciones. Sino más bien de Idols que actúan e interpretan un papel, un personaje, con el cual se desenvuelven en la obra musical. Ahora bien, teniendo en cuenta esto, vale añadir que a nivel musical el CD lejos está de ser música Idol comercial de la que siempre se desarrolla Hello! Project, sino mas bien esta es una suma de canciones compuestas a ritmo pop, con melodías redondas, y con letras relacionadas al argumento de la obra, todo realizado por Taizo Shioda en las letras y Jun Ichikawa en la música, los cuales han sabido dotar de un muy buen contenido, de peso, a cada una de las composiciones.
Vocalmente el disco desborda excelencia y buen gusto por donde se lo mire, y es que el nivel interpretativo de las voces intervinientes a crecido y madurado tanto que da gusto escuchar las canciones de forma contínua; sobre todo en el caso de Ayumi Ishida, la cual a nivel vocal e interpretativo a dado un gran salto de calidad admirable, demostrando de forma más que grata cuanto se ha superado, logrando una identidad propia a través de su voz, cosa que demuestra en la canción "Sakura no Koi", la cual interpreta a duo con Haruka Kudo, quien desde la obra anterior, "LILIUM" daba sobradas muestras de calidad interpretativa con su particular voz de tono grave, acá lo sigue haciendo, pero de una forma mucho más madura y asentada, llegando con su voz a lugares y matices totalmente nuevos, que no hacen más que poner en evidencia cuanto a crecido a nivel técnico e interpretativo. Riho Sayashi sorprende de forma positiva al poder escucharla encarnar en el personaje de un hombre, no solo en el tono de voz un tanto más grave que adopto, sino también por el estilo y forma de interpretarlo, logrando un resultado más que destacable. Lo mismo ocurre con Sakura Oda, la cual ya ha dado sobradas muestras de que su nivel técnico e interpretativo es más que formidable, añadiéndole a todo ello un plus que se ve reflejado en el personaje que encarna en la obra. Quizás Masaki Sato en éste caso no sorprenda, pero si que sabe hacer gala de lo que ya nos tiene acostumbrados a la hora de cantar, esto es, una afinación y timbre perfectos, seguidos de una interpretación más que acertada, sobre todo en la canción "Urayamashigariya no Dice", que comparte con Haruna Ogata, la cual goza de un rítmo funk más que pegadizo, con una de las melodías con más vertigo dentro del CD. La sorpresa viene por el lado de Haruna Ogata, perteneciente a la Generación número 12 de MoMusu, la cual con menos de un año de actividad desde su ingreso al grupo, acá, en el soundtrack de la obra, demuestra que aunque posee un tono algo 'crudo' al que le falta todavía desarrollo, ella puede cantar, interpretar, y defender una canción para nada fácil.
"TRIANGLE" un CD que lejos que una obra completa, es un pantallazo general de lo que fue la obra durante los 10 días de presentación que tuvo en el pasado mes de Junio, lo cual no decepciona, para nada, sino que deja con ganas de seguir conociendo más canciones de la misma.

Mr. Moonlight.

Takui Nakajima "Renga no Ie" (2015).

Nuevo Álbum de Takui Nakajima, el décimo sexto de su carrera, en donde a través de 15 canciones nos pasea por diferentes ambientes y climas, siempre manteniendo la energía del Hard Rock mas elocuente con el que impregna a cada una de sus composiciones.
Musicalmente el disco respira frescura a raudales, siendo tal vez más variado que su anterior "BEAT&LOOSE" de 2013, ya que no solo hay Hard Rock desbordado, sino también algo de Ska, Reggae, Soul y Metal, todo matizado de forma equilibrada y conveniente según la composición lo requiera, demostrando nuevamente cuan enraizadas están sus influencias en The Beatles, Queen y el punk británico mas tradicional, quedando siempre cada canción apuntalada con melodías redondas. Es que sin demasiados rodeos Takui va al grano; es directo y muchas veces algo visceral, pero siempre con un propósito, un objetivo, que logra y con creces.
Instrumentalmente la obra es escueta, pero directa, no hay virtuosismos estériles, ni tampoco las grandes instrumentaciones, eso si, esta muy bien plagado de arreglos, algunos muy sutiles, pero efectivos al 100% en cada composición.
Vocalmente Takui logra aportar en "Renga no Ie" matices que se notan un tanto ausentes en "BEAT&LOSE" (en dónde daba la constante sensación de que muchas veces estaba 'gritando' las canciones), ya que la energía a la cual nos tiene acostumbrados está intacta, pero es en este álbum en donde puede apreciarse la forma en que ésta fue dosificada y puesta en favor, no solo de la expresión, sino del contenido al que hace referencia. De igual forma Takui se las arregla para en cada canción armonizar y mezclar su voz de forma algo hipnótica, o de introducirle efectos y cambios de entonación, tal y como ocurre en la canción "Oshiroji Risa ~all good idols go to heaven?~", en donde el trabajo realizado es por demás destacable.
Líricamente el álbum es redondo, muestra a un Takui mucho más intimista y transparente, en donde no solo intenta dar un mensaje que él considera positivo, sino que logra transmitir su experiencia de vida y su visión ante determinados eventos (todos diferentes entre si), extrayendo de cada uno reflexiones de las mas variadas, pero siempre positivas, alentadoras, confrontando pensamientos con emociones, desarrollando la experiencia de buscar empujarse así mismo (y a quien lo escucha), desafiando la comodidad establecida, tratando de lograr un cambio interno necesario, siendo notable que su búsqueda no va por el lado de 'mejorar como persona', sino simplemente cambiar, apostar a nuevos horizontes dejando atrás a lo inútil. Reflejo de todo esto son las canciones "Wasurete Shimae yo Yurushite Shimae yo"; "Donna Koto ga Atte mo"; o en un plano más radical y energético está "Tsuzukero".
Como añadido se encuentran las versiones originales de "Taiki Bansei" (que ya conocíamos interpretada por ANGERME), y "Tsugi no Kado wo Magare" (que también conocíamos por la versión de ºC-ute), las cuales en el disco suenan con otro vuelo, añadiendo un atractivo diferente a lo ya conocido, comprobando que se trata de algo mucho más personal siendo Takui su compositor e interprete.
"Renga no Ie" tiene la virtud de ser un disco redondo, completo, sin fisuras de ningún tipo, en donde se puede disfrutar de cada uno de los variados climas que ofrece de forma contínua, sin caer en el aburrimiento. Tal es la versatilidad de la que hace gala que podemos encontrarnos con pasajes realmente calmos como los que hay en las canciones "Tokyo Tower" y "Please Mr.GUARD MAN". O también con canciones en plan de 'medio tempo' como lo es la propia "Renga no Ie". O en el plan mas 'heavy' o 'pesado' tenemos las mas que destacables "Oshiroji Risa ~all good idols go to heaven?~" y "Ijimerarekko", que gracias a sus potentes guitarras y sus líneas vocales en tono casi de rap logran realzar excelentes estribillos.
Al finalizar el disco nos encontramos con la canción más larga de todo el disco "PUNKY SIXTEEN BOY", la cual sobrepasa por poco los 9 minutos de duración; que sostenida por un apacible pero constante rítmo de reggae, la misma se va desarrollando con una de las melodías más hermosas que posee el álbum, llegando a un estribillo cantado íntegramente en inglés, entonando uno de los mensajes más optimistas, provechosos, y esperanzadores de toda la placa, culminando con un final en donde es notable la influencia del "Hey Jude" de The Beatles.
Takui Nakajima, un músico que con casi 16 años de carrera nos muestra que aún se puede ser auténtico y eficaz siendo fiel a uno mismo, demostrando que lo que damos a otros nos lo damos a nosotros, para luego volverlo a dar, y así lograr un constante espiral artísticamente creativo, fresco, que se renueva de forma constante, y "Renga no Ie" es la cabal muestra de ello.

Mr. Moonlight.

UEMAN "Equilibrio" (2014).

Ueman es una banda, que tal y como reza en su sitio en Bandcamp "...es un trío de rock, con variadas influencias estilísticas. Formado en en el año 2013, en la ciudad de Córdoba..."
Lo cierto es que a través de "Equilibrio" (su primer material discográfico), nos ofrecen a modo de tarjeta de presentación, un EP de tres canciones en donde pergueñan un rock alternativo influenciado por todas aquellas bandas que alguna vez escucharon lo que sucedía en los 90's y hoy ofrecen algo que no es ni nuevo, ni fresco, ni novedoso y que muchas veces suena a viejo.
Musical e instrumentalmente Ueman suena sólido, solvente, y ajustado, con ejecuciones muy logradas y climas sonoros bien estudiados. Quizás en algunos segmentos se perciba algo 'acartonada' la ejecución del baterísta (en donde por momentos suena como si en las partes rápidas tuviera que controlar su tempo); como así también es muy evidente lo fuera de tono que están las notas del sampler sobre el que se sostienen los primeros acordes de la canción que abre el CD, "Panorama"; pero más allá de ese detalle, el desarrollo instrumental y sonoro es muy bueno.
Líricamente el EP expone contraposiciones un tanto interesantes, en donde de forma práctica y directa trata de desarrollar en unas cuantas líneas emociones, que ligadas a pensamientos, buscan exponer no solo el interior de quien las escribió, sino su percepción del mundo actual, como es el caso de "Panorama", en donde el mensaje es bueno, y es notable que hay una búsqueda de conciencia, pero falla en el intento al desenvolverse con tan pocos recursos y tropezar de forma absurda en si mismo. Ejemplo de esto es la frase que abre dicha canción "Por donde mires se ve...", en dónde la redundancia es un escollo. Durante el resto de las canciones, aunque el desarrollo peque de ser algo simplón, es consecuente a la música y por lo tanto se torna efectivo.
Vocal y melódica las canciones hacen agua por los cuatro costados, en donde por un lado la voz de Sergio Cirigliano peca de cierta monotonía, no solo en la parte tímbrica/expresiva, sino también en la parte melódica, donde con las sucesivas escuchas se evidencia cierta monotonía durante las estrofas de las tres canciones, llegando al punto en donde parecieran una el calco de la otra; o como en el caso de la canción "Equilibrio", en donde cada una de las palabras de la primer estrofa están separadas en sílabas, dando la sensación de no haber encontrado la forma de encajar el texto con la música. Continuando con algo similar tenemos a "Luces" (canción que cierra el EP), en donde la primer frase de la primer estrofa está totalmente desafinada. Es una lastima que por el escaso desarrollo en las melodías en los estribillos de ninguna de las tres composiciones se logran aprovechar los excelentes climas logrados por los instrumentos, sino que estos se entorpecen, dando la sensación de que al fin de cuentas las canciones nunca despegan, sino que quedan ahí, en termino medio, en un simple amague.
Ueman, una banda que camino a lograr el "Equilibrio" que tanto busca tendrá que saber aprovechar el paso del 'venerable tiempo', tal y como reza el significado de su nombre.

Mr. Moonlight.  

sukekiyo "PERSUASIO" (2015). DVD/Blu-ray

sukekiyo es la banda liderada por Kyo, cantante de DIR EN GREY, que desde su alumbramiento en Diciembre de 2013, ha sabido solidificar su novel carrera a través de un EP, un Álbum, una gira internacional por Europa, un Mini Álbum, y este DVD/Blu-ray "PERSUASIO // 2015.2.28 sukekiyo 2015 live ｢The Unified Field｣ -VITIUM-", el cual es su más reciente lanzamiento.

En "PERSUASIO" no solo podemos encontrarnos con una banda de una calidad técnica e interpretativa excepcional en todo sentido, sino con una obra completa (y algo compleja) que busca aunar paso a paso toda la experiencia y todo el material discográfico que la agrupación a adquirido desde su fundación. Siempre encarado desde la primer persona de su artífice principal, Kyo, en el cual uno puede apreciar el desarrollo, no solo en una vía artística, sino también de algo mucho más personal, mental, emocional y espiritual, en donde a través de las canciones y del acompañamiento visual es que durante todo el concierto uno puede, no solo divisar el desarrollo personal de éste, sino la conquista hacia algo más profundo, haciendo uso no solo de la imagen y el sonido que la misma banda impone sobre el escenario, sino también de videos y textos que van apareciendo sobre la pantalla gigante que está dispuesta detrás del escenario a medida que se van sucediendo las canciones. Incluso promediando el concierto, se incluye la participación de dos actores, los cuales interactúan de forma excelsa con Kyo, logrando uno de los momentos más atmosféricos e intimistas de todo el show, demostrando una vez más que nada es al azar, sino que está todo planificado y ensayado con tal excelencia que de forma constante se respira naturalidad, buen gusto, emotividad y placer en lo que se está haciendo, dejando muy en claro que lejos están los involucrados de buscar la admiración de la nausea, el aplauso a la herida que no sana, sino todo lo contrario, invitando al resto no solo a atestiguar el desarrollo y madurez que significa aunar "IMMORTALIS" y "VITIUM" sobre un escenario, sino también acompañarlos en el proceso y ser partícipe del mismo. No por nada unos días antes del show la banda lanzó un comunicado pidiéndoles a los asistentes al concierto que fueran vestidos de luto, y que en la entrada al concierto registraran sus nombres para así colocarlos sobre el final de los créditos del DVD/Blu-ray (cosa que efectivamente así fue). Es claro que "PERSUASIO" va mucho más allá del Ego de los participantes. No solo buscan dejar admiración por parte de quienes atestiguan tal evento, sino que todo forma parte de un desprendimiento que los mismos músicos efectúan, un punto y aparte, un final de una primera etapa para continuar moviéndose hacia otro lugar.
Si hablamos de canciones es prácticamente imposible destacar a unas por sobre otras, sobre todo porque la intrinseca relación que se les ha dado a las 17 composiciones que se incluyen en el concierto. Pero ahí están "elisabeth addict"; "zephyr"; "aftermath"; "leather field"; "dunes"; y "focus", la cual a nivel grupal representa uno de los puntos más emotivos en cuanto a interpretación.
sukekiyo, una banda que siendo dueña de su propio terreno supera toda etiqueta y encasillamiento, logrando en todo sentido superarse de forma constante, siempre ofreciendo al espectador una experiencia única e irrepetible.

Mr. Moonlight.

Alejandro Revelant "Detrás de nuestros días" (2014).

Alejandro Revelant es un guitarrista y cantante de la ciudad de Córdoba que junto a un grupo de amigos a plasmado siete canciones en su primer EP titulado "Detrás de nuestros días".

Estilísticamente hablando, la obra puede fácilmente enrolarse a la par de clásicos del Rock Nacional Argentino como Spinetta Jade o David Lebon, en dónde, a diferencia de otros, Alejandro no imita o emula lo ya hecho por estos músicos, sino que con buen tino busca darle personalidad y soltura a ideas propias, evidenciando, no solo una búsqueda, sino también buen gusto y algunos aciertos en la misma.
Musical e instrumentalmente el EP es simplemente exquisito. En donde cada instrumento y recurso está en su lugar, muy bien ubicado, exhibiendo buen gusto en todo momento, evitando todo tipo de exceso estéril y logrando desarrollar muy buenos climas entre canción y canción, demostrando así, no solo que los músicos ejecutantes conocen el estilo a la perfección, sino que simplicidad y efectividad van de la mano.
Vocalmente, y como interprete, Revelant suena bien, pero es bastante lineal, no es malo, pero se puede evidenciar cierta monotonía melódica, y eso sin contar que durante las notas largas (o las vocalizaciones muy abiertas) su voz muestra algunos 'límites' al dejar varios pasajes bastante desentonados.
Líricamente todo suena obvio y ya visto, en las letras no faltan emociones, pero si riesgos, como si a la hora de escribir Alejandro siguiera una formula que le fuera a dar el mismo resultado siempre, y éste fuera aplicado de la misma forma en cada una de las canciones.
Para destacar como escucha imprescindible están "Creo", que con su clima intimista desarrolla un muy buen paisaje sonoro; también "Detrás de nuestros días", canción que da nombre al EP y que con su rítmo y desarrollo no solo demuestran energía grupal; y cerrando se encuentra "Traerá", en dónde Revelant se despacha con no solo una composición redonda por dónde se la mire, sino también con el único solo de guitarra en todo la obra, en el cual hace gala tanto de una buena técnica como también de una magnífica expresión como interprete, siendo así lo más logrado en toda la placa.
Alejandro Revelant, un músico que de forma eficiente y sin rodeos busca un futuro de calidad artística y que a través de este primer EP logra un resultado con el que se impulsa hacia una nueva esfera, dejando al resto atrás.

Mr. Moonlight.

Helloween "MY GOD-GIVEN RIGHT" (2015).

Helloween, los indiscutibles pioneros del Speed/Power Metal, cumpliendo 30 años de trayectoria, nos traen su disco número 15 "MY GOD-GIVEN RIGHT". Y en esto no hay sorpresas, a nivel musical la obra es un compendio de las diferentes etapas que el grupo ha sabido transitar a lo largo de toda su carrera. Es que si, está la velocidad de siempre, los riffs y 'machaques' de los 90's, los arreglos y solos de guitarras melódicos, las melodías con gancho, la repetición grandilocuente de estribillos como si se tratase de un himno por la paz y soberanía. Todo a lo que uno estaba acostumbrado escuchar en Helloween desde siempre está ahí de forma ineludible, lo cual, teniendo en cuenta la trayectoria de los mismos y el tiempo en el que es lanzado éste disco no es algo malo. Peor es que hubiesen sacado un 'Greatest Hits', un álbum de 'rarezas', u otro de covers.
Líricamente la obra mantiene los tópicos a los que la banda nos tiene acostumbrados: Letras positivas, graciosas, tontas, sociales, de introspección, y muchas veces utilizando la metáfora con resultados prominentes. Es que no se puede pedirle madurez o riesgos supremos a una banda que supo acunar un estilo y una forma de hacer las cosas que tan buenos resultados supo darles alguna vez. Y precisamente, como lo expresa su título, de eso mismo trata este álbum, de ejercer su derecho a hacer lo que mejor saben hacer y hacerlo valer en nuevas canciones. Lejos está aquel Helloween que durante finales de los 90's y parte de la primer década de este milenio experimentaba con matices nuevos, o instrumentaciones más pesadas o progresivas, en "MY GOD-GIVEN RIGHT" solo hay Heavy Power Metal con los matices hard rockeros propios que Andi Deris supo heredar de Pink Cream 69.
Melódicamente el disco es muy redondo. Realmente se nota el esfuerzo por mantener frescas a las composiciones a través de la melodía, y lo logran con creces. Por citar algunos ejemplos de esto tenemos abriendo la obra a "Heroes"; también podemos mencionar a "Stay Crazy"; "Like Everybody Else"; "If God Loves Rock 'n' Roll"; la mismísima "My God-Given Right"; o la que con un toque mucho más épico da cierre al álbum "You, Still of War"; todas ellas, canciones que a fuerza de gancho y melodías redondas ganan en frescura sobre composiciones que a nivel instrumental muchas veces no representan ningún tipo de novedad dentro de la carrera de la banda, pero que afirman sin titubear de que van en cada nota ejecutada.
"MY GOD-GIVEN RIGHT", una obra que nos muestra a un Helloween que aún tiene cosas por decir, por pelear, por conquistar y por lo cual seguir en carrera. Los años no han pasado en vano, el resultado está más que a la vista en un disco tan redondo, que si no conoces a la banda de seguro pasa desapercibido, pero que a ellos no les va a afectar en lo más mínimo, y están en su derecho al hacerlo saber.

Mr. Moonlight.

Morning Musume.'14 "14shou ~The message~" (2014).

Morning Musume.'14 (antes Morning Musume.) es un grupo de J-Pop que a lo largo de 18 años a sacado al mercado 58 Singles y 14 Discos, este "14shou ~The message~", es su álbum más reciente.
Vale decir de buenas a primeras que esta obra poco y nada tiene que ver con lo que el grupo nos presentaba dos años antes con "13 Colorful Character" (2012), y quizás es debido a esto que hasta el momento las canciones nuevas que componen "14shou ~The message~" no han sabido despertar en la gran mayoría de quienes lo escucharon, el entusiasmo que si obtuvo su predecesor. Lo cual no es nada malo, ya que tal cual y como tiene por costumbre su 'alma máter' Tsunku, el disco no es para nada predecible, sino que reboza personalidad, frescura, rítmos variados y melodías sólidas, como así también posee madurez, consistencia y efectividad. Cualidades de las cuales la agrupación venía adoleciendo desde finales de 2010. Éste MoMusu'14, suena mucho más maduro y sólido que muchas de sus anteriores encarnaciones. Y de esto dan pruebas las nuevas canciones, tales como "Kirari to Hikaru Hoshi"; "Otona ni Nareba Otona ni Nareru"; "Waraenai Hanashi"; "Koibito ni wa Zettai ni Shiraretakunai Shinjitsu"; e inclusive la primer balada que hay en la obra "Asu wo Tsukuru no wa Kimi", la cual no solo habla de amor, sino que reflexiona sobre el mismo con una madurez y simplicidad exquisitos.
Si, musicalmente este disco sigue la línea de sus anteriores 3 singles: EDM del más variado y completo, repleto de secuencias rítmicas, con armonías casi robóticas, siempre trabajadas en favor de las canciones, de las melodías, y la expresión.
Vocalmente el disco es tan rico y variado como los registros y timbres de las participantes, en donde si, hay auto tune a raudales, pero utilizado justamente como un recurso que acompañe la pared sonora de música electrónica en el que se desarrollan cada una de las canciones.
Líricamente el disco es muy solido. El mismo no se limita a conceptos o supuestos, va directo al grano, a la confrontación de pensamientos, de emociones. Impulsa a vivir las experiencias, a motivar, a hacerse cargo de lo que uno es y superarse sin mirar a los costados, centrándose en los afectos de la familia, la amistad y viendo el amor como un paso hacia el crecimiento personal/mutuo. Como ejemplo de esto tenemos canciones como "Kimi no Kawari wa Iyashinai"; "What is LOVE?"; "Password is 0"; o la mismísima "TIKI BUN", que en su 'Album Version' suena más poderosa y concisa que en el Single. Además de esto, el disco posee climas realmente sublimes que muchas veces se contraponen, como es el caso de "Egao no Kimi wa Taiyou sa", la cual se erige como un himno al optimismo más puro. O "Toki wo Koe Sora wo Koe", poseedora de una emotividad y climas únicos en toda la placa, poniendo un punto final, no solo a la obra, sino a una etapa de la agrupación.
"14shou ~The message~", un disco único, muchas veces algo difícil de asimilar, en donde Tsunku nos demuestra una vez más a través del grupo que (como en la vida misma), las cosas muchas veces no son lo que uno espera, sino mucho mejor.

Mr. Moonlight.

Dream Theater "Dream Theater" (2013).

Dream Theater es una banda que sabido cimentar su carrera artística/musical en base a su exagerada prolijidad a la hora de hacer las cosas, y este, su disco número 12, no es la excepción.
Es bien sabido que la banda dejo de experimentar y ofrecer algo nuevo a partir del año 2003 con su disco "Train of Thought", y que el último rastro de frescura a nivel grupal lo dieron en algunos pasajes de las canciones que integraron el disco "Systematic Chaos" de 2007. De ahí en más, a nivel compositivo, la banda no ha sabido más que autoparodiarse y limitarse a seguir casi de forma religiosa el mismo camino que ellos supieron recorrer pero sin encontrarle una nueva salida, una nueva perspectiva que les siga permitiendo mantenerse frescos, renovados y actuales.
"Dream Theater" (el disco) no es malo en si, sino que es aburrido. La placa goza de muy buen nivel en cuanto a todo lo que ya nos tienen acostumbrados para dar, pero no sorprende, sino que canción tras canción todo suena a 'material reciclado'. A frases, pasajes, melodías, solos, piruetas estilísticas ya hechas y probadas con efectividad hasta el hartazgo desde el año 2003 para acá. Tanto así que Mike Mangini no hace diferencia alguna, no decepciona, cumple su labor a la perfección, pero lejos está de sorprender.
Dream Theater (la banda) a perdido todo rastro o sentido de lo que significó alguna vez la palabra 'innovar', como si lo que alguna vez sirvió como punta pié inicial para explorar nuevos horizontes hoy en día fuera solo una excusa para seguir haciendo lo que mejor saben hacer sin tomar ningún tipo de riesgo artístico. Y es así como nos encontramos con composiciones 'de catalogo', en donde todo parece haber sido escuchado alguna vez, pero con más frescura. De esto tal es el caso de la primer canción del álbum "The Enemy Inside", que suena a un refrito de lo más veloz que tuvo en su momento "Systematic Chaos". O sin ir más lejos, su siguiente, "The Looking Glass", la cual el riff principal recuerda demasiado a una versión más rápida de "Carry On Wayward Son" de Kansas, matizado en su interludio con una línea de bajo muy similar a la ya escuchada en las estrofas de "Learning To Live" de su segundo disco "Images And Words" (1992), todo eso sumado a un final irresoluto que deja todo en la nada. Y ni hablar de buscar algún atisbo de personalidad en el instrumental "Enigma Machine", el cual suena como si fuese un ejercicio de pre calentamiento, antes que a una canción instrumental. Charlie Dominici a sabido lograr un resultado mucho más fresco y auspicioso en su propia banda con la canción que abre su tercer disco, "The Monster", antes que los mismos Dream Theater con un instrumental en su última obra.
El resto del disco navega entre lo predecible y lo soporífero, tanto así que ni siquiera la sección instrumental con orquesta de "Illumination Theory" salva de semejante escollo que representa la placa.
"Dream Theater", un álbum tan olvidable como prescindible dentro de la carrera de estos monstruos de la técnica estéril.

Mr. Moolight.

LoVendoЯ "Ikujinashi" (2014).

LoVendoЯ es una banda de Jrock liderada por la ex-Morning Musume Tanaka Reina, que bajo la tutela de UP-FRONT CREATE han editado a la fecha 3 Mini Albums.

En este su tercero, "Ikujinashi", nos encontramos con 5 canciones plenas de melodía, fuerza, y frescura. En donde cada instrumento cumple su cometido de manera perfecta, desarrollando a través de las composiciones (cada una más sólida que la otra) riffs, licks, arpegios y solos de guitarra realmente logrados e interpretados de forma magistral, siempre en favor de la canción, logrando no solo vértigo cuando es necesario, sino climas realmente muy acogedores. Lo mismo ocurre con el resto de los instrumentos, precisión y buen gusto a raudales es lo que uno puede encontrar en el bajo y la batería.
Vocalmente la obra es realmente exquisita, con solos y armonías muy bien logradas. Con una Marina creciendo como interprete de forma exponencial, y con una Reina desbordando la frescura y buen gusto a la que nos tiene acostumbrados, sumando a eso que gradualmente evidencia una búsqueda por algo más 'duro', más 'rockero', cada vez menos Idol, y lo logra con creces. Para esto solo hace falta escuchar con atención la canción que da nombre a la placa "Ikujinashi" (compuesta por Takui Nakajima) y comprobar cuan diferente maneja su registro hoy en día. También sobresale "UNDERGROUNDER", con un riff que oficia de columna vertebral a la canción, más un estribillo redondo en melodía y gancho. "Shounen", canción que da cierre la obra, en donde podemos ver a nivel musical como LoVendoЯ genera uno de los más
bellos y tiernos climas nunca antes mostrado, con una letra tan acorde a lo que expresa y con una Reina que a nivel vocal suena prácticamente irreconocible, desarrollando a través de la melodía un tono y una expresión completamente nuevos en ella y en su forma de cantar, demostrando una vez más que sus posibilidades, no solo técnicas, sino también interpretativas se encuentran en constante crecimiento.
Globalmente el CD es solido, muy solido, demostrando calidad por donde se lo mire. Siendo una obra de corta duración (poco más de 21min.), engancha lo suficiente como para dejarte entusiasmado y al mismo tiempo pidiendo más.
LoVendoЯ, una banda en constante crecimiento que vale la pena seguir, y de muy cerca.

Mr. Moonlight.

Lucas Magnin "Experiencia" (2015).

Lucas Magnin es un compositor, escritor, músico y cantante, que con este su segundo disco, nos trae 13 canciones que él mismo se encarga en catalogar como música alternativa, pop, rock y art rock.
Aunque por momentos nos recuerde a los discos "El Ídolo" y "Amador" de Adanowsky, en "Experiencia", a nivel musical, nos encontramos con un disco fresco, lleno de pasajes sonoros muy bien logrados, con arreglos que dejan entrever el buen gusto de los músicos participantes, evitando todo tipo de exhibicionismo innecesario o virtuosismo estéril, logrando así de forma constante durante toda la obra un ambiente tan variado como homogéneo, con interpretaciones y arreglos justos en cada ocasión, siempre en favor de las composiciones.
A nivel sonoro el álbum es realmente impecable, pudiendo evidenciar el excelente trabajo de producción desarrollado, logrando disfrutar de principio a fin cada uno de los instrumentos que intervienen.
Compositívamente el disco intenta ser redondo. Posee canciones muy bien iniciadas y desarrolladas, pero descarrila sobre el final de las mismas, tanto así que de modo constante pareciera que cada una de las composiciones que integran la obra concluyen de la misma forma, utilizando una y otra vez el mismo tipo de resolución para todas, o en algunos casos, desdibujando todo lo desarrollado hasta el momento, esto de puede notar en "La plaga del invierno", en donde casi de forma abrupta se rompe un buen clima para pasar a una melodía de estilo 'oriental' con la voz de Jim Caviezel de fondo en su personaje de Jesús durante el film de Mel Gibson. En otros casos como en "Laberinto"; "Arte posmo"; "Los desconocidos"; y "Autorretrato", se despliegan a nivel musical finales irresolutos o a medio terminar, como si el mismo Lucas careciera de recursos para encontrarle la vuelta y así lograr algo redondo o autoconclusivo.
Vocalmente Magnin recuerda la mayoría de las veces a Joaquin Levinton (sobre todo en la canción "Atrás"), y en otros momentos es inevitable que su expresión no evoque a interpretes como Andrés Ciro Martínez, Warhol Oliveira, más algunos pasajes en donde recuerda a Luis Alberto Spinetta, evidenciando así cierta falta de identidad o personalidad que dote del peso interpretativo al que intenta aspirar Lucas a través de sus propias canciones. Todo esto sin contar los pasajes en donde directamente su voz suena desafinada o desentonada. Como es el caso de "Mito de la caverna", en donde desafina cada vez que va al falsete. Y "Tic tac", en donde las estrofas suenan desentonadas, sobre todo en las notas bajas.
Melódicamente el disco tiene sus momentos de monotonía y repetición, como en las canciones "Laberinto"; "Arte posmo"; "Los desconocidos"; "Segunda". Y también tiene momentos realmente admirables por su solvencia y gancho, tal es el caso de las canciones "Atrás"; "Autorretrato"; "Mito de la caverna"; y "23", en donde sus estribillos rebozan de melodías redondas, atractivas, realzando de forma exquisita cada una de las composiciones.
Líricamente la obra peca de la constante auto valoración de las propias convicciones en detrimento de quienes no tuvieron su mismo vivir o sentir. En esto Lucas se muestra de forma insistente usando casi como cábala las contraposiciones en cada una de sus letras, evidenciando así una búsqueda de singularidad que bordea el elitismo, siempre apuntando hacia afuera (los otros), tanto así que ni siquiera en la canción "Autoretrato" logra algo intimo o medianamente transparente, sino todo lo contrario, logrando mostrarse tal cual en la portada del disco, como una mezcla entre Julio Iglesias y un Dandy de los 70s, preso de si mismo, lejos de todo, de todos, inmerso en su propia realidad, en su comodidad, sin riesgos de ningún tipo, alejado de todo aquello que le posibilite cambio, crecimiento, o que le brinde la superación que dice no encontrar en aquellos de quienes tanto habla; dibujando cada frase de cada canción de tal forma que diera la impresión de estar leyendo a alguien que pretende escribir como si fuese Salomón en el libro Eclesiastés, pero sin la guía de este último.
Aún así hay momentos en que el resultado global de las canciones supera a la suma de las partes, logrando paisajes sonoros realmente destacables, como lo es la canción "El extranjero", la cual hace gala de tener en el disco los arreglos y sonidos más logrados, los rítmos mas variados, tanto así que la misma representaría una muy buena opción para ejemplificar lo que es el estilo "World Music".
"Experiencia" un disco musicalmente sólido, pero que en textos nos muestra a un Lucas Magnin muy lejos de prolongar algún sabio proverbio que le advierta de su propia verborragia sin dejarlo a merced de la misma, tal como sucede en "Autoretrato", donde apunta "He visto salir muchos por la puerta principal pero sin identidad.", y por lo visto Lucas ya salió.

Mr. Moonlight

Shades of Black "Ocean" (2014).

Shades of Black es el proyecto unipersonal de Matthew Zuleger (Zoogs), un guitarrista y programador estadounidense de 22 años que bajo dicho seudónimo ya lleva lanzados desde 2011, de forma independiente y a través de internet, 4 Discos y 2 EP.

Enrolado pura y exclusivamente en el metal instrumental, Zoogs desarrolla a través de su música los más variados colores y ambientes sonoros logrando no solamente atraer al escucha, sino dejarlo prendido esperando por más. Estilísticamente "Ocean" es una mezcla de metal técnico, djent, y metal progresivo, matizado siempre con melodías de toque árabe, dándole al resultado global distinción por sobre otras propuestas de similar calibre, pero no tan modernas.
Musical y compositivamente la obra es equilibrada, manteniendo de forma constante los matices necesarios, eliminando todo tipo de excesos, buscando siempre la expansión del espectro sonoro en favor de la canción, evitando así caer en innecesarias repeticiones. Lejos está Matthew de ser el típico 'Guitar Hero' que busca meter la mayor cantidad de notas posibles en el menor espacio encontrado solo para mostrarse 'más' que otros, sino todo lo contrario, con cada escucha uno puede evidenciar una búsqueda interna expresada a través de los sonidos, de las texturas creadas para tal fin, logrando así un resultado muy personal y variado en todo momento. Por supuesto, hay pasajes realmente intrincados, plenos de 'cruces' y de cambios de tempo. También hay solos ejecutados de forma exquisita, para nada pretenciosos, llenos de buen gusto y solvencia.
A nivel sonoro el proyecto siempre se destaco por su prolijidad, claridad y pulcritud, en esto, "Ocean" no es la excepción. El disco hace gala de una definición sublime, desafiando toda comparación e igualándose de forma inmediata ante cualquier exponente similar con una multinacional a sus espaldas. Es mas que notable en el resultado final lo buscada que está la calidad de sonido en la obra, dotándola, no solo a ésta, sino también a su interprete de una personalidad inconfundible.
Shades of Black, una propuesta que vale la pena escuchar de principio a fin más de una vez, en donde con "Ocean" termina por cimentar de forma concisa y muy eficaz lo que uno podía avecinar en trabajos anteriores.

Mr. Moonlight.

Dir en grey "Withering to death" (2005).

Dir en grey es una banda originaria de Japón, enrolada dentro del rock/metal, mezclando siempre todo tipo de texturas y formas sonoras según cada álbum se trate. De temáticas variadas es que han sabido acunar durante los últimos 18 años, 9 Discos y 31 Singles.
En este, su quinto álbum, a nivel musical la banda experimenta mezclando nu metal, con alternative, gothic, convirtiendo todo el paisaje sonoro en algo amplio y experimental, sin dejar el formato canción de lado, sin estancarse en estereotipos narcisistas o estériles, sin tecnicismos infructuosos. Si hay algo que saben hacer estos músicos es llenar de matices de todo tipo a sus composiciones, mezclando muchas veces lineamientos propios del soul o funk con riffs y cadencias de las mas pesadas o rápidas. Musicalmente el disco es todo eso y mucho más, ya que en ningún momento las canciones pierden frescura, sino todo lo contrario, a medida que se suceden uno puede notar que el vértigo en las mismas se acrecienta, demostrando que se puede ser experimental, sonar renovado y actual de forma imaginativa, sin perder el estribo en el camino.
Vocalmente la obra es ambiciosa, con un Kyo que busca expandirse más allá de sus posibilidades técnicas del momento, llenando cada segmento de emoción a través de melodías que se te quedan impresas en la mente de forma inmediata, sumándole susurros, falsetes, voz rasgada, gritos de todo tipo, desde lo más estridente y desgarrador, hasta el gutural más cerrado. Llenando con todos los elementos cada sección de cada composición, acompañando (y muchas veces acrecentando) la fuerza transmitida por las mismas.
Líricamente "Withering to death", como lo indica su título, habla sobre la muerte, sobre las muchas formas que tiene ésta, y lo hace de forma constante, variada y casi obsesiva podría decir. Esto no opaca para nada el resultado final del conjunto, sino todo lo contrario, lo realza, y más que nada es debido a la exquisitez con la que Kyo aborda cada una de las variantes de sus letras a través de la poesía, la cual se ve desarrollada de una forma esplendida, natural, nada forzado, logrando una transparencia y sinceridad únicas, navegando por todos los estados mentales y emocionales que uno quiera o pueda imaginar.
Más allá de lo individual, Diru siempre se destacó en lo grupal, en el conjunto, en demostrar que el resultado es gracias a la suma de la individualidad de las partes que lo integran, logrando varias veces, y como lo es en este caso, una obra de carácter único e irrepetible hasta el momento de su edición. Han pasado 10 años desde que fue editado originalmente y el álbum no a perdido frescura, sino que las 14 canciones que lo integran continúan sonando tan vigentes como en su momento. Es un disco que no tiene puntos flojos, en donde lo experimental y la canción redonda de melodía 'entradora' van de la mano sin ningún tipo de pruritos o condicionamiento artístico. Como ejemplo de esto solo voy a destacar las siguientes canciones: "Saku"; "Machiavellism"; "The Final"; "Dead Tree"; y "Higeki wa Mabuta wo Oroshita Yasashiki Utsu", la cual representa una de las composiciones más emotivas que concibió la banda. El resto queda por cuenta de quienes descubran esta magnífica obra.

Mr. Moonlight.

THE Possible "1116" (2014).

THE Possible es un grupo Idol de J-Pop formado por Tsunku durante el año 2006 en Hello! Project y luego trasladado a TNX, hoy en día bajo la tutela de UP-FRONT CREATE.

Actualmente el grupo cuenta con un total de 18 Singles y 3 Discos editados. En este "1116", su tercer y más reciente disco, uno puede encontrarse con una obra redonda de principio a fin. Estilísticamente las canciones están encuadradas dentro del J-Pop, pero con un espíritu y actitud muy rockera, dándole al resultado final un tono muy  expresivo, fresco, de carácter y personalidad propia, sin perder en ningún momento variedad o atractivo, la cual en gran parte es gracias a los varios compositores que intervinieron en el desarrollo de las composiciones.
Instrumentalmente el disco es muy bueno, variado, de buen gusto, con ejecuciones simples pero efectivas al 100%, con arreglos distintivos en cada composición.
Interpretativamente la obra es enérgica y efusiva cuando tiene que serlo, sin restar por ello buenos climas, y algo de mesura cuando es necesario, demostrando de esta forma un excelente criterio en cada caso.
Vocalmente el disco es simplemente magnífico, no tiene defecto alguno, ya que las 5 mujeres que se encargan de interpretar cada canción poseen voces potentes, llenas de personalidad, de frescura, sin dejar en ningún momento de lado los aspectos técnicos más arriesgados. Como lo es en el caso de la canción "Saa Koi! Happiness!", en donde el desarrollo de la melodía y a medida que avanza, lleva a cada una a elevar cada vez más alto las notas interpretadas de forma progresiva y sin pausa, evidenciando, no solo la calidad de sus voces, sino el excelente manejo técnico que poseen ante pasajes tan exigentes e intricados.
Líricamente el disco se enfoca en los tópicos esenciales (y porque no tradicionales) de los grupos Idols: el amor; la familia; los amigos; la vida en sociedad; la exaltación a la juventud como una época única y la madurez representada como el objetivo a alcanzar. No faltan canciones de auto superación como "Otome! Be Ambitious!", en donde descollan, no solo en energía, sino también el hecho de que la misma sea casi una declaración de principios.
Es bastante complicado recomendar tan solo una sola canción de un disco armado de tal forma que hace imprescindible su escucha al completo de principio a fin, pero a habida cuentas de que el resultado es la suma de las canciones que integraban los 4 Singles anteriores, más el anexo de cinco canciones nuevas, es que recomiendo "Ribbon"; "Nanja Korya?!"; "Zenryoku Banzai! My Glory!"; "Otome! Be Ambitious!"; "Yuuki Super Ball!"; "Do Me! Do!"; y en un tono más tranquilo esta "Lovely! Lovely!", la cual aparece por primera vez en la obra.
THE Possible, un grupo único, talentoso, que con "1116" demuestran que los casi diez años de carrera que tienen se capitalizan en la calidad indiscutible de su material.

Mr. Moonlight.